Elle met en lumière l’art local du Ghana et vous permettra de connaître l’origine de ses industries culturelles. Mais aussi la découverte  des créations de ceux qui ont choisi de vivre de leur talent tout en partageant leur passion pour l'art, qu'il soit abstrait, figuratif, iconoclaste .

THIS IS GHANA ! rassemble les travaux du Dr Afua Asabea Asare, Nana Kwesi Agyare, Larry Otoo,Kweku Genfi, Amarkine Amarteifio, Daniel Botchway, Martin Dartey, Nana Yaa Omane Peprah, Rojo Mettle Nunoo et Bright Danso .

Oui mais voilà, Chantecler a le cœur brisé et la voix en miette. Tout ça à cause d'Aztuc le Grand-Duc et des adorateurs de la grande nuit qui ont fomenté un complot, pour déchoir le coq à la voix céleste. Depuis, Chantecler a disparu et le Soleil ne se lève plus. Nelly, la souris qui n'a jamais connu la lumière, décide de partir à sa recherche. Parviendra-t-elle à le retrouver ? Chantecler fera-t-il lever le Soleil ?"

Librement inspiré de l’œuvre d’Edmond Rostand, Cocorico lève-toi Chantecler est un spectacle musical, intelligent, rafraichissant et plein d’humour, qui s’adresse à tous les publics de 5 à 105 ans, comme le dit sa magnifique affiche aux couleurs chatoyantes, réalisée et illustrée par le brillant @pierredraws.

A l’origine, le Chantecler épique et grandiose de Rostand comptait un nombre considérable d’acteurs, plus de 70 personnages, 195 costumes qui avait demandé à l’auteur de Cyrano de Bergerac, plus de 35 000 heures de travail…

Dès le départ, le pari de la Toile de Pandore n'était pas de faire une stricte adaptation de la pièce, mais plutôt une écriture originale qui s'appuie sur la légende de Chanteclerc.

 

Une allégorie moderne qui reprend l’idée que grâce à l’amour et à la passion d’un coq pour son métier, le soleil, astre indomptable, accepte tous les jours de se lever.

« Le Chantecler de Rostand, conçu comme un « poème dialogué » est très peu joué en raison de ses nombreux personnages, sa durée et ses alexandrins imagés. Le passage à la réécriture nous a permis de préserver l’esprit poétique et virtuose que nous offre le Chantecler d’Edmond Rostand, tout en l’actualisant à travers un langage moderne, une histoire inédite et des personnages attachants. Au-delà du simple conte qui fait appel à l’imaginaire de l’enfance et du merveilleux, nous voulions que cette pièce interroge autant qu’elle divertisse. Même si les personnages se présentent aux spectateurs sous l’apparence d’animaux, l’enjeu était de proposer une pièce accessible, qui plaise autant aux enfants qu’aux adultes » souligne Juliette Raynal qui interprète notamment une magistrale Jeanne la faisane et qui a écrit l’adaptation et mis en scène le spectacle avec le talentueux  Rémi Custey. 

La jeune troupe a donc fait le choix d’une partition à trois comédiens qui jouent tour à tour plusieurs personnages et en font exister plus d’une dizaine, grâce à l’utilisation de masques et d’ombres chinoises.

La projection vidéo et la voix off, permettent l’immédiate adhésion à l’histoire, installent les personnages et les situations. L’intrigue n’est ainsi jamais « prise de crête ». Elle se veut légère et ludique, mais le spectre de l’oppression, du totalitarisme rampant, des violences faites aux femmes et de l’urgence climatique, avec la disparition du soleil et l’arrivée des ténèbres, sont autant de thèmes abordés dans ce conte qui se veut toutefois bon enfant.  L’autre défi, musical celui-ci,  était de composer des musiques et chansons originales, entrainantes et collectives, qui puissent à la fois plaire aux adultes comme aux enfants, tout en faisant avancer l’histoire. « Nous avons fait le choix d’un théâtre musical et participatif où chaque personnage chante et fait les chœurs, clin d’œil au texte original et versifié du Chantecler d’Edmond Rostand » explique Rémi Custey, metteur en scène et compositeur de l’ensemble des chansons et musiques du spectacle. L’action se déroulant dans une ferme, il y a des emprunts à la musique country, mais aussi des envolées en forme de clin d’œil au gospel et au blues américain.
 

Pour les musiques d’accompagnement, qui ne sont pas chantées, le compositeur a composé des thèmes inspirés de l’univers des anciens Disney auquel l’affiche aussi se réfère, La Belle au bois dormant, mais aussi les grands compositeurs classiques, notamment Stravinski avec son Oiseau de feu. Et que dire de cette petite référence charmante et incongrue à la rock star galloise Bonnie Tyler sur la mélodie, rendue douce, de Holding Out for a Hero, lorsque le coq déchu, titillé par la petite souris Miss Nelly, fourbit sa rancune et sa peine.

Dans cette pièce de 70 minutes, la distribution est aussi virevoltante qu’à géométrie variable.Juliette Raynal, que l’on avait déjà remarquée  dans la précédente pièce proposée par la Toile de Pandore, la Dernière nuit de Don Juan, toujours d’un certain Edmond Rostand, est aussi parfaite et racée en Jeanne la faisane, que sentencieuse et prophétique en Aristote le merle. Thomas Bousquet fait voler haut dans le ciel les sinistres dessins d’Aztuc la Grand-duc, mais il sait aussi être désopilant lorsqu’il joue Gigi, la plus vieille poule du poulailler qui tient sa gazette de coquette. Et puis il y a bien sûr le coq de ses dames, magistralement interprété par Baudoin Sama, chantant et coquelinant, tour à tour sûr de lui, bien à l’aise sur ses ergots, puis profondément attachant et émouvant en coq perdu et reclus dans sa grotte. 
 

Les trois comédiens, nous agrémentent d’un merveilleux numéro d’acteurs, lorsqu’ils endossent à la perfection les mimiques de ce bestiaire magnifique.  Le coq coquerique à bec déployé, la faisane s’ébrouent avec une élégance consommée dans un défilé de haute culture, la poule cancane et jase comme le merle, avant de caqueter en rythme du croupion. 
Côté costumes, Claire Malbos propose toute la palette chamarrée des animaux de la création. Un coq flamboyant, puis déplumé à la crête pendante, un Aztuc dans toute sa noirceur de Grand-Duc, un Patou en chien britannique au pelage épais et humide, fidèle sujet de sa majesté du poulailler, une Jeanne en belle faisane dorée, casquée, à la silhouette fuselée, ou encore une Nelly la souris, en petit rongeur borné et déterminé. Les décors imaginés et créés par Pierre Custey sont encore plein de trouvailles et collent parfaitement à l’atmosphère onirique de la pièce. Chantecler sauvera-t-il Jeanne la faisane des serres maléfiques d’Aztuc ? Retrouvera-t-il sa place de roi des gallinacés dans sa basse-cour adorée ?  Au final tout est bien qui finit bien et en chanson au royaume des animaux de la ferme, puisque l’amour triomphe finalement de la tyrannie. Cocorico lève-toi Chantecler, un spectacle aussi drôle qu'émouvant, emmené par une troupe enthousiasmante et sympathique, qui saura attendrir votre cœur d'enfant, mais aussi de parents ou de grands-parents… 

Jean-Marie Besset a choisi la fiction pour illustrer la vie de ses Gens de Limoux dont certains sont encore en gestation. Il nous immerge avec l’un d’eux, Mister Paul, dans le passé des années 50 et 60 à Limoux, la ville de son enfance dont il garde encore un léger et chaud accent du sud-ouest comme une identité fidèle.



Ce portrait est empreint d’une certaine nostalgie et de beaucoup d’humour et semble prendre de la distance avec ses années prolifiques en tant qu’auteur, adaptateur et metteur en scène dans les théâtres qui comptent. Directeur pendant 10 ans des Treize Vents, la scène nationale de Montpellier, créateur d’un prix littéraire, toujours membre du comité de lecture du Théâtre du Rond-Point Jean-Marie Besset prend un temps de recul. Il s’arrête sur quelques portraits anonymes, simples en apparence mais riches d’expériences et d’humanité. “Ecrire au plus près de ces hommes et femmes anonymes, de leur humour jusque dans le drame, de leurs secrets, des détails les plus singuliers de leur existence ordinaire, afin de révéler chez chacun un destin extraordinaire“ voilà le projet. Pour ce Mister Paul, mister comme mystère, dont il lève quelques secrets miroirs peut-être de lui-même il est à la fois l’acteur et l’auteur de ce portrait quasi-confidentiel aux notes légères voire amusantes qu’il fait vivre en commençant par le commencement.

Adolescent à Limoux, il éprouve les premiers troubles d’une sexualité difficile à admettre par lui-même et peu admise à l’époque.



Mister Paul revit sur scène ces années révolues où les mœurs étaient plus discrètes et la liberté moins facile. Il tergiverse, esquive les pièges, dissimule et traverse toutes sortes d’épreuves. Attiré par les hétéros plus que par les homosexuels, il pense même dans l’élan d’une impossible passion s’embarquer pour Casablanca et changer de sexe avant d’être “récupéré“ par la pression familiale… Autant de troubles qui ne l’empêcheront pas de réussir brillamment dans sa vie professionnelle. Mister Paul livre ainsi l’expression et l’analyse de ses doutes, de ses élans du corps et du cœur dans un questionnements honnête sur le genre, la différence des sexes, les formes variées du désir.

Saluons le jeu sensible de l’auteur et comédien et la finesse de son jeu que permet l’humour. Avec une mention pour la mise en scène très sobre d’Agathe Alexis qui dispose tout simplement quelques éléments voilés du décor que le comédien peu à peu dévoile selon les moments du développement.

Sa créativité dans le domaine de la céramique fait de Johan Creten l’un des précurseurs du grand renouveau de cet art et à ce titre lui vaut d’être reconnu à l’international dans nombre de musées et d’expositions qui participent à la reconnaissance de l’art de la terre et du feu.

Flamand d’origine né en 1963, cet artiste à la personnalité communicative voire humoristique a choisi de vivre à Paris. Mais il a l’esprit nomade aussi, en se défendant de travailler toujours dans le même atelier, il préfère travailler un peu en nomade, ici et là dans les pays qui l’inspirent ; le Mexique, Rome, Miami, La Haye… Le choix de son médium il l’assume depuis les années 1980 avec passion et conviction malgré l’indifférence voire le dédain affiché par ceux qui édictent les critères et les valeurs de l’art. Car il s’agit ici de véritables de sculptures en céramique, parfois aussi en bronze, chaque œuvre étant unique.  

 L’exposition à La Piscine se décline en trois temps.

D’abord, “C’est dans ma nature“ conçu en 2000. Dix panneaux mobiles couverts de briquettes factices accueillent ses petits bas-reliefs en céramique qui ont dialogué précédemment avec les élèves du collège d’Aulnay-sous-Bois. Vient ensuite “Bestiarum“ un ensemble de 17 sculptures animalières en céramique émaillée dont les glaçures aux couleurs irisées attirent l’attention par leur singularité. Une mouche géante endormie dans une position féminine suscite l’interrogation de même qu’un pélican figé dans sa tristesse ou un mouton rappelant la défunte vocation lainière de Roubaix… Loin du naturalisme, le bestiaire de Johan Creten crée une ambiance, un univers où le symbole émerge de même qu’une représentation sous-jacente d’un monde, le nôtre, non dénué d’inquiétude, de mélancolie mais aussi de vie. Troisième acte, “De Vleermuis“, 2019, une chauve-souris géante à l’entrée du musée vous invite à gravir un escalier qui permet de se placer entre ses ailes déployées…
 

Beauté décorative, art mural… ces qualificatifs élogieux mettront du temps à s’imposer face aux œuvres assez académiques préexistantes considérées comme secondaires aux yeux des censeurs.

Et en effet, si dans les décennies précédentes des peintres comme Puvis de Chavannes œuvrent pour des commandes officielles, mairies, gares, lieux publics, le statut de leurs interventions n’atteint pas la reconnaissance attribuée au grand art. Les Impressionnistes vont faire bouger les frontières entre tableau de chevalet et peinture décorative dans la liberté de leurs supports, de leurs sujets et de leurs déclarations d’intention. Comme ces mots du peintre André Masson à l’intention de des Nymphéas de Claude Monet qu’il nomme la “chapelle Sixtine de l’Impressionnisme“, relayant Monet lui-même qui parle de “grandes décorations“ pour ses 90 mètres d’immersion dans la couleur exécutés sur des murs. Degas affirme sans hésiter “le rêve de toute ma vie était de peindre sur des murs“ tandis que Renoir aurait aimé “transformer des murs entiers en Olympe“. Et il est vrai qu’ils ne vont pas se priver de ce langage décoratif comme le montre l’exposition de l’Orangerie dans une sélection d’œuvres ornementales des plus grands peintres impressionnistes. Car désormais, ils décorent aussi espaces privés et même objets de toutes sortes comme on le découvre dans la succession des salles.  Avec en apothéose finale les Nymphéas de Monet, présents à l’Orangerie depuis près d’un siècle. On découvre à cette occasion la profusion de supports et de scènes de la vie quotidienne, de décors floraux, de joyeux paysages. L’intention étant toujours, selon les mots de Renoir, de “mettre un peu de gaieté sur un mur“. Que ce soit Cézanne décorant le salon de la maison familiale, Berthe Morisot, Pissarro, Renoir, Monet, Caillebotte, Manet, tous ou presque ont exercé leur art sur des supports non conventionnels qui enrichissent notre regard sur l’Impressionnisme.


 
 

 
Né en 1911 ce peintre juif d’origine russe voit sa vie et son œuvre marquée par la guerre et les combats. A commencer enfant par la perte d’un père mort au front en 1915, d’une mère victime de la rafle du Vél d’Hiv et de l’holocauste à Auschwitz.

Membre de l’Association des écrivains et artistes révolutionnaires il adhère en 1930 au Parti communiste dans la droite ligne des espoirs du Front Populaire et des luttes contre le fascisme. Cela lui vaut d’être incarcéré puis envoyé au camp de Buchenwald dont il se fait le témoin des heures sombres dans nombre de ses toiles et de ses dessins au retour. Avec une œuvre qui ne cessera de dénoncer les grands bouleversements et les souffrances collectives de son époque. Décolonisation de l’Indochine et de l’Algérie et, plus proches, combats sociaux des ouvriers, des mineurs et métallurgistes de l’ère industrielle…
 
Boris Taslitzky suit son chemin pictural très particulier à l’écart des voies entreprises par les peintres abstraits, cubistes ou surréalistes.

Ses modèles se situent du côté des grandes fresques de David, de Courbet mais aussi de Delacroix et de Géricault, avec l’ambition d’être un peintre d’histoire témoin de son temps dans un “réalisme à contenu social“.  Et si la force tragique de certains grands tableaux heurtent par la violence de leur sujet, comme ses corps décharnés témoignant de la libération des camps, jamais il ne se départit d’une luxuriance de la couleur et, comme il le dit alors, de la “beauté de l’horreur“ dans ce “carnaval de la souffrance inouïe“. Comme le fit par exemple Géricault dans Le Radeau de la méduse.

De son vrai nom Axel Gallen, Akseli Gallen-Kallela, né en 1865 et mort en 1931, est l’un des artistes phares finlandais de son époque avec une œuvre très originale imprégnée des mythes et des légendes d’une nature nordique à laquelle il restera fidèle jusqu’à la fin.


Il se forme d’abord au dessin à la Société des beaux-arts d’Helsinki puis séjourne plusieurs fois à Paris où il suit les cours du peintre Bouguereau avant de voyager aussi à Londres et à Berlin. Mais son ancrage et son inspiration, du naturalisme au symbolisme, seront toujours profondément marqués par sa terre natale.

C’est ainsi que le mythe du Kalevala prend forme sur ses toiles, avec en particulier la Légende d’Aïno dont il fait un triptyque en trois scènes illustrant l’histoire de cette princesse du Nord promise à un vieillard et qui pour échapper à sa poursuite se transforme en nymphe avant de devenir saumon et de fuir dans les eaux.

Gallen-Kallela trouve cette inspiration pendant un voyage avec son épouse Mary dans la nature sauvage de Carélie et le succès de l’œuvre dépassera les frontières.

Ces moments de bonheur seront plus tard endeuillés par la mort de leur fille qui inspirera aussi son œuvre. Artiste solitaire, observateur de la botanique et de la nature qui l’entoure dans sa maison-atelier en rondins de bois, il aime aussi partager ses conceptions et sa vision d’une nature sacrée au langage ésotérique, porteuse d’une dimension mystique liée aux cycles de la vie et de la mort.

L’œuvre de Gallen Kallela transporte au-delà des paysages représentés vers un univers de beauté et de surnaturel transfigurant la simple représentation.

 

Né à Lausanne le 20 novembre 1859, mort à Paris le 14 décembre 1923 Steinlen s’installe à Paris en 1881 sur la butte Montmartre et y restera fidèle jusqu’à la fin.

Il fait de la butte l’une de ses inspirations majeures, peint ses ruelles et surtout livre une quantité innombrable de dessins, de gravures et d’affiches sur tout ce qui fait le caractère de sa population. A commencer par les chats, dont une vingtaine peuple son atelier, Cat’s Cottage, et qui deviendront vite son emblème à partir du moment où il fréquente le cabaret du Chat noir au cœur de la butte et son propriétaire Rodolphe Salis. C’est là qu’il rencontre Aristide Bruant, les musiciens Claude Debussy et Eric Satie, les peintres Toulouse-Lautrec et Vincent Van Gogh et de nombreux poètes dont Verlaine et Alphonse Allais. Sans oublier les danseuses du Moulin Rouge et la vie nocturne et animée qu’on y mène. L’ambiance est propice à la créativité et à la liberté de pensée. L’affiche du Chat noir (1896) dont le style montre son intérêt pour la gravure japonaise fera vite sa renommée. Steinlen devient vite un illustrateur très apprécié des journaux comme Le Mirliton et un affichiste reconnu pour ses scènes de rue. Chanteurs de rue, petits métiers des blanchisseuses et des ouvriers, vagabonds… avec toujours un regard compatissant et engagé du côté des miséreux, comme Zola l’est à l’époque. Dans ce même esprit il obtient en 1917 un laisser-passer de Clémenceau pour s’approcher des tranchées et croquer les horreurs de la guerre de très près et le quotidien de la guerre à l’arrière, avec les femmes, les réfugiés, les villages désertés… Steinlen fait aussi les portraits ou les caricatures des personnalités de l’époque qui gravitent autour de lui ce qui fait de ses dessins et gravures de presse un témoignage précieux et émouvant de cette fin du XIXe siècle. N’oublions pas aussi son œuvre peint. En particulier les paysages de la Norvège où il voyage en 1901, de la vallée de l’Oise et du village de Jouy-la-Fontaine près des bords de la rivière où il acquiert une maison. Aimant le jardinage il peint et dessine ses fleurs préférées, les anémones, les pivoines, les dahlias dans la sérénité de cette campagne dont héritera sa fille Colette. L'exposition au château d'Auvers-sur-Oise, rend hommage à cet artiste aujourd’hui moins connu dont l’œuvre prolifique mérite la redécouverte dans ce village où Van Gogh a vécu ses derniers mois et où il est enterré près de son frère.