Une commande voulue par Fernand Léger pour son travail sur le cirque
 



En 1948 l’écrivain répond au souhait du peintre en publiant ce texte illustré par Picasso, Chagall, Rouault et Klee. L’idée surprend à commencer par Miller lui-même. « C’est l’histoire la plus étrange que j’ai jamais écrite à ce jour »...


Le héros c’est Auguste, un clown au cœur grand caché derrière son épais maquillage. Il s’est mis en tête de transmettre du bonheur à tous ses spectateurs et chaque soir, il s’élève à de telles hauteurs, les transportant avec lui, qu’il en oublie un jour de “revenir“ et perd ainsi son rôle. Errant ici et là il finit par rencontrer un cirque ambulant où, incognito, il devient l’homme à tout faire.

Quand Antoine, le clown médiocre de la troupe, tombe malade, il le remplace en améliorant son rôle qu’il compte lui restituer. Mais ce dernier meurt, peut-être conscient de sa médiocrité et Auguste, culpabilisé, reprend la route avec sa valise et, sous le maquillage, cette joie qu’a su communiquer son être en paix.



Denis Lavant en clown écorché vif et joyeux



Un rôle sur mesure pour ce grand comédien formé à l’école du mime et de l’acrobatie avant le Conservatoire d’Art dramatique de Paris. Molière du Seul en scène 2015, acteur fétiche de Léos Carax, sollicité par Patrice Chéreau, Claude Lelouch, Jean-Pierre Jeunet…



Denis Lavant fait partie de ces grands qui jonglent avec maestria entre théâtre et cinéma. Il y va de toute la souplesse de son corps et de la mobilité de son visage pour incarner les états d’âme de ce clown si humain dont l’âme généreuse est traversée des sentiments les plus contrastés. Joie, douleur, émerveillement.

La mise en scène de Bénédicte Nécaille accompagne de sa sobriété les différents moments de la pièce. Avec un décor fait d’éléments symboliques : une échelle, des morceaux de contour de piste que Denis Lavant fait glisser comme les pions de ce décor et bien sûr, une valise boîte magique de ses métamorphoses. Une pièce habitée.

C.G.

Elle vient de perdre sa mère, incarnée par la voix d’outre-tombe et moqueuse de Judith Magre en un dialogue fictif face à sa tombe.




Commence alors un monologue incarnant avec brio et successivement les personnages de la vie professionnelle et privée de cette psy au bord de la crise de nerfs. Son seul partenaire, un fauteuil en cuir orange qui s’adapte à toutes les postions. En plus d’une heure ses mots et intonations vont incarner les patients qui rabâchent leurs éternels problèmes, les enfants qui n’ont pas résolu les leurs, les hommes et une maîtresse qui la délaissent… Stop, elle est au bout, le disque dur est saturé !


Les fantasmes, les malheurs, les frustrations de ses patients qui s’ajoutent aux siens et la voilà près du burn-out ! Ces inconscients malades la laissent vide et déprimée une fois la porte refermée. Elle fait le bilan de ces années d’impuissance et de doute et se demande si elle n’est pas passée à côté de sa vie ? Et si elle plaquait tout pour s’évader loin du monde dit civilisé ? Peut-être…



Josiane Pinson, une comédienne plurielle et seule en scène
 

Avec cette troisième session de PSYcause(s) l’actrice et auteure nous embarque une nouvelle fois dans le labyrinthe inextricable des complexités de l’âme humaine à travers ces jeux de rôles dans lesquels elle excelle, passant en permanence d’un personnage à l’autre. Derrière sa succession de portraits qui la renvoient comme psy au questionnement de sa propre identité Josiane Pinson fait écho à nos propres fêlures tout en demeurant dans la légèreté.


La mise en scène très sobre de Gil Galliot accompagne de ses jeux subtils la direction d'acteur. « La pièce sur laquelle se jouent fantasmes, douleurs et pulsions oscille en permanence entre comédie et tragédie personnelle pour chaque protagoniste. La forme d’écriture quasi polyphonique permet également un traitement scénique loin du “seul en scène“ pour offrir au contraire des émotions en action » explique-t-il. C’est ce que rend parfaitement le traitement de la lumière et du son.   




C.G.

 

 « La couleur de mes rêves »… Cet onirisme déclaré avec les propres mots de l’artiste pourrait qualifier l’aura qui de dégage de cette exposition éblouissante. S’y côtoient les œuvres peintes majeures, les céramiques, les sculptures et les dessins rendant un hommage exhaustif à ce peintre/poète singulier (1893-1983) qui durant sept décennies renouvela sans trêve les formes sur ses toiles. Il visita tour à tour le fauvisme, le surréalisme, le cubisme, en saisit toutes les subtilités sans jamais se laisser prendre à une école ou un groupe. Il fut l’ami des grands poètes de son époque, Eluard, Breton, Artaud, Queneau, Aragon durant les années 20 parisiennes et s’imprégna d’un langage poétique qu’il sut à sa façon exprimer dans ses œuvres. Tel fut Miró le solitaire, l’indomptable aussi, voire le rebelle durant la guerre d’Espagne, malgré ses airs doux et la plénitude joyeuse de sa palette.

Jamais abstrait ni figuratif, entre sa Catalogne natale, ses séjours successifs à Paris et son atelier de Mayorque, il invente sans cesse des formes nouvelles, crée des espaces stellaires, dont les fameuses Constellations sur papier qui remportent un grand succès. Créateur d’un langage pictural fait de signes, d’êtres étranges, d’animaux ou d’insectes, son univers poétique et cosmique s’exprime dans une simplicité de moyens dont l’épure des trois monumentaux Bleus I, II, III touche à la perfection finale. C’est « l’aboutissement de tout ce que j’ai essayé de faire » dira-t-il en 1961. Voici donc une exposition majeure, un événement pour des moments d’éblouissement.

Catherine Grenier et Thierry Pautot, les deux commissaires de l’exposition, ont voulu mettre la cinquantaine d’œuvres de ce sculpteur emblématique du XXè siècle en relation avec les sculpteurs de son époque et ceux qui l’ont de peu précédé. Ce bel ensemble donne l’occasion d’admirer à côté des silhouettes effilées qui se sont imposées dans notre représentation de l’artiste, d’autres œuvres plus précoces ainsi que les sculptures de quelques grands qui se sont aussi mesurés à la matière : Bourdelle, Maillol, Brancusi, Laurens, Zadkine, Lipchitz… Dans ce parcours chronologique en compagnie des maîtres du genre on comprend mieux comment les œuvres de jeunesse de Giacometti encore empreintes de classicisme se libèrent au contact des avant-gardes et évoluent vers des lignes épurées voire abstraites. Vers 1935, le sculpteur revient à une figuration qui le définit à nos yeux et on retrouve avec bonheur la Femme qui marche et les œuvres qui ont fait son succès dans les années 50-60 : La Clairière, l’Homme qui marche…. On prêtera une attention particulière aux belles sculptures de Germaine Richier puis aux lithographies et aux documents d’archives. Des photographies signées par les grands de l’époque dont Brassaï complètent cette évocation du travail de l’artiste.

Voici un parcours quasiment magique à travers plus de 360 œuvres qui révèlent pour la première fois la richesse des arts ainsi que l’histoire sur près de dix siècles de cette île magnifique située au large des côtes africaines. L’exposition en révèle la singularité car Madagascar fut le carrefour d’une multitude d’influences venues des cultures africaines, arabes, indiennes et asiatiques du sud-est bien avant le temps de sa colonisation par l’Europe et jusqu’à l’époque contemporaine. Des vestiges archéologiques en reflètent les multiples facettes ainsi que les objets rappelant le royaume malgache et la colonisation française. L’architecture et l’art de vivre au quotidien sont particulièrement représentés, mettant l’accent sur la distinction entre profane et sacré. Ce dernier occupe les dernières salles avec des œuvres exceptionnelles incarnant le culte des mondes invisibles et celui des morts : amulettes, totems, sculptures et œuvres funéraires monumentales très impressionnantes.

Vous ne verrez pas ici les Bellini, les Carpaccio, les Titien et autres maîtres de la peinture vénitienne des XVè et XVIè siècles qui ont donné à la Sérénissime son aura glorieuse et poétique par le rayonnement de leur art. Catherine Loisel, conservateur général du patrimoine, aidée pour la direction artistique par Macha Makeïeff, a travaillé sur une époque plus tardive, le XVIIIè siècle. Venise est alors au sommet de sa gloire et brille de tous les feux de sa splendeur en Italie comme dans les autres pays d’Europe. La peinture est au sommet de sa renommée avec les Piazetta, Canaletto, Guardi, Tiepolo… et toute une diaspora d’artistes appelée à l’étranger, chez les mécènes comme à la cour des rois d’Espagne, de France d’Allemagne ou d’Angleterre. C’est ce que montre l’accrochage qui confronte les œuvres peintes à Venise à celles venant de toute l’Europe. Les musiciens et chanteurs, Vivaldi, Porpora, Farinelli ajoutent à l’enchantement, de même que le théâtre avec Goldoni. Le carnaval exprime lui aussi cette vitalité festive et inspire les artistes de même que la vie de tous les jours et celle des plaisirs. Macha Makeïeff prolonge cette ambiance de fête chaque mercredi soir dans les salles en alliant théâtre, musique et danse à la splendeur des arts visuels. Ces derniers iront déclinant au XIXè siècle en même temps que décline le commerce et que se termine en 1797 la République de Venise à l’arrivée de Bonaparte...