Elle met en lumière l’art local du Ghana et vous permettra de connaître l’origine de ses industries culturelles. Mais aussi la découverte  des créations de ceux qui ont choisi de vivre de leur talent tout en partageant leur passion pour l'art, qu'il soit abstrait, figuratif, iconoclaste .

THIS IS GHANA ! rassemble les travaux du Dr Afua Asabea Asare, Nana Kwesi Agyare, Larry Otoo,Kweku Genfi, Amarkine Amarteifio, Daniel Botchway, Martin Dartey, Nana Yaa Omane Peprah, Rojo Mettle Nunoo et Bright Danso .

L’artiste n’est pas un inconnu à Trévarez, puisqu’il a signé, en 2017, le Noël à Trévarez qui s’appuyait déjà sur les tribulations de la jeune héroïne de Lewis Caroll Alice au pays des merveilles.

Un travail réalisé en relation avec la société rennaise Spectaculaires qui a réalisé les créations visuelles et sonores dans le parc. L’exposition de Dominique Richard, dans les anciennes écuries du château, est en lien direct avec le spectacle de lumière projeté dès la nuit tombée, sur la façade du château. « Depuis plusieurs années Noël à Trévarez s’impose comme un événement incontournable du Finistère qui a notamment rassemblé 82 000 visiteurs sur six semaines en 2019 » rappelle Yann le Boulanger, le directeur du site. Créée en 1986, redéfinie en 2007, l’exposition Noël à Trévarez a évolué au fil des éditions pour devenir une attraction majeure des fêtes de fin d’année en Bretagne qui à chaque fois raconte et met en scène d’étonnantes histoires.  Parfois décalées ou détournées, souvent réinterprétées, toujours poétiques, elles ont en commun d’enchanter tous les ans plusieurs dizaines de milliers de visiteurs et de les emmener dans les univers oniriques des artistes invités.

Sous son enveloppe néogothique, le « château rose » de Trévarez, construit par le politicien James de Kerjégu entre 1893 et 1907, cache des aménagements technique des plus novateurs pour l’époque : structure métallique, électricité, chauffage central, téléphone intérieur, ascenseur…

Reconnu « Patrimoine du 20^e siècle », le domaine est également labellisé « Jardin remarquable » pour son parc créé à la Belle Epoque dans le « style mélangé » alors caractéristique des jardins français.

 

 

 

Peu de gens le savent au-delà de Trévarez, mais Pinocchio, l’œuvre de Carlo Collodi est fortement inspirée d’un fait divers breton !


Vers 1880 Fanch Gépétao un sabotier de Saint-Goazec fait les gros titres des journaux pour avoir réalisé une marionnette tellement parfaite qu’elle trouble tous ceux qui s’en approchent. Pinoc’h, la marionnette vivante devint rapidement célèbre et attire toutes les convoitises. La rumeur enfle. On accuse le sabotier d’avoir engagé un enfant pour créer l’illusion. Vol d’écus, tribunal, prison, les problèmes s’accumulent pour Gépétao et sa marionnette.

Heureusement, Mme Françoise de Kerjégu, propriétaire du château de Trévarez et surnommée la « fée bleue » pour sa passion pour les rhododendrons de cette couleur, leur offrira son aide en les recueillant peu de temps avant leur fameux voyage en bateau où l’on perd définitivement leurs traces.

Au rythme d’un fabuleux parcours artistique scénographie au rez-de-chaussée des anciennes écuries, d’une déambulation dans les allées du parc jusqu’au château en passant près de l’ancien potager, les voyageurs sont invités à voyager dans l’univers revisité et remis à la sauce armoricaine de la célèbre marionnette.

 

Au début du 1^er siècle les Gaulois vivent sous influence romaine. Les plus riches mangent allongés et se régalent de viandes, mijotées ou rôties, de poissons et de fruits de mer en se servant de leurs doigts, parfois d’une cuillère.

Le sel, très cher, permet les salaisons nécessaires à la conservation et rehausse le goût des plats. Très vite les épices entrent en scène, elles sont partout et améliorent la rusticité des vins de leurs saveurs de cannelle, de girofle ou de cardamome. Au Moyen Age on cuisine le gibier, on aime les potages épais, les pâtés en croûte, les saucisses, les boudins posés sur une grosse tranche de pain qui boit le jus tandis qu’on découpe au couteau. La vaisselle est encore rudimentaire, de grès et de métal, matières robustes qui correspondent aux plats. Au XVIe siècle, peu de grands changements dans les manières mais du Nouveau Monde arrivent maïs, pomme de terre, potiron et tomate. Et bien sûr le sucre de canne qui va devenir un indispensable.

 Adieu les épices, on leur préfère le bouquet garni, le beurre remplace la graisse dans la cuisine aristocratique et le salé se sépare du sucré.


Nous sommes encore loin du service contemporain car les plats chauds et froids se côtoient pêle-mêle tandis que les verres, absents de la table, sont remplis à la demande. Les vins s’affinent, les rois raffolent du Bourgogne et du Champagne.

Nombreux sont les mets et, tous étant disposés sur la table, ils sont à peine touchés et repartent en cuisine où ils font discrètement le bonheur de la domesticité avant d’être réutilisés.

La vaisselle s’enrichit et s’affine. Cafetières, théières et chocolatières renferment de délicieuses boissons exotiques qui régalent les convives lors des goûters. De même les glaces dont la fabrication est un modèle d’ingéniosité.

Les faïences et porcelaines de la Manufacture royale de Sèvres, fondée en 1740, s’exportent alors dans toute l’Europe et deviennent de précieux présentes diplomatiques, des messagers de la grandeur de la France. Les recettes s’affinent et la réputation de la gastronomie française dépasse les frontières…

Les us et coutumes des tables russes vont apporter une note plus légère aux cérémonies de table.

Plus question de surcharger les nappes d’une profusion de mets, on opte pour le service plat après plat si bien que les convives dégustent la même chose en même temps. Un pur moment de gourmandise qui se partage.

L’ornementation de table dès lors s’exprime avec plus d’espace. Les verres gagnent leur place, Baccarat brille dans les soupers royaux tandis que Christofle entame une réussite en argenterie qui ne se démentira pas. On peut aussi placer devant les convives de petits menus annonçant le programme des réjouissances.

Ces services de table se démocratisent peu à peu grâce aux nouvelles techniques industrielles et la vaisselle embellit à vue d’œil. De nombreux restaurants ouvrent leurs portes, certains auréolés de la gloire des chefs promus au statut d’artistes. La porcelaine de Limoges et ses prouesses techniques, en particulier la manufacture Pouyat, devient dès 1830 un centre majeur de diffusion de l’art vaisselier.

Le repas gastronomique se démocratise encore au XXe siècle et ne va cesser de surprendre par l’imagination et les dons de ses chefs dont les guides Michelin et Gault et Millau orchestrent le succès.

Ces derniers affichent leurs commandements culinaires. Ne pas trop cuire des aliments dont la fraîcheur et la qualité sont érigées en règles majeures, la carte doit être allégée, marinades, faisandages et fermentations sont oubliés de même que les sauces trop riches.
Nouvelle cuisine, cuisine moléculaire, bio, de terroir, fusion….La diététique est passée par là et on souhaite se régaler sans abîmer sa ligne et sa santé…
Les arts de la table tendent eux aussi à plus de simplicité pour accompagner ces menus réduits à une entrée, plat, dessert qui visent dans leur extrême finesse à plus de légèreté. Les designers s’en mêlent pour trouver de nouvelles formes. Dont la dernière création de la Manufacture de Sèvres, le Service Bleu Élysée conçu par Evariste Richer…   

Avec l’exposition « L’Atelier de la nature, 1860-1910 : Invitation à la Collection Terra », le musée des impressionnismes Giverny rend hommage jusqu’au 3 janvier 2021 à son histoire et à ses origines.



Avant de se consacrer au mouvement impressionniste, il fut en effet précédé par un musée d’art américain, fondé par Daniel J. Terra et la Terra Foundation for American Art. C’est donc tout naturellement que le musée des impressionnismes Giverny propose aujourd’hui de retracer l’évolution de l’art du paysage chez les artistes américains grâce aux quelque 90 toiles, lithographies et aquarelles des XIXe et XXe siècle de la collection de la Fondation.

Elles sont présentées aux côtés d’importants prêts de plusieurs institutions françaises, dont le musée d’Orsay et la Bibliothèque Nationale de France.
 

L’exposition s’ouvre justement sur la dernière période de « l’Hudson River School », un groupe de peintres paysagistes.

L’authenticité caractérise ainsi les paysages et marines au style soigné et précis, exécutés dans les années 1870. La représentation de l’immensité des vastes espaces américains côtoie des scènes à échelle humaine : entre 1860 et 1880, les campagnes d’exploration de l’Ouest américain sont documentées par des milliers de photographies qui font découvrir, à travers le pays mais aussi à l’étranger, les paysages américains grandioses. Ces photographies influencent alors la peinture de paysage.

C’est également à cette époque que les premiers artistes américains arrivent à Giverny.

Pendant les 30 années qui suivent l’installation de Claude Monet dans le village en 1883, la présence du maître de l’impressionnisme attire des centaines d’artistes internationaux, notamment américains, qui y élisent domicile à leur tour et y forment une colonie. Les peintres américains abandonnent progressivement le style de l’École de Barbizon au profit de couleurs plus vives et d’une touche plus libre, caractéristiques de l’impressionnisme.  À leur retour aux États-Unis dans les années 1890, les artistes cherchent à reproduire les préceptes issus de l’impressionnisme. Toutefois, l’adaptation des techniques picturales européennes aux paysages américains représente un défi, en raison de la différence de lumière et d’atmosphère. Aux paysages ensoleillés, aux couleurs vives et à la touche rapide, inspirés de l’impressionnisme, répond un réalisme de style plus âpre. Celui-ci mène, à l’orée du XXe siècle, à une nouvelle approche de la peinture.

A Giverny, une section de l’exposition est consacrée au peintre James Mc Neill Whistler ainsi qu’aux photographies des grands espaces confèrent un élargissement inédit du thème de l’impressionnisme américain.

De 1860 à 1910, l’art du paysage américain ne cesse d’évoluer, passant d’une représentation réaliste de la nature à une interprétation intime pleine d’émotion, puis à une assimilation des principes de l’impressionnisme. L’exposition « L’Atelier de la nature, 1860-1910. Invitation à la Collection Terra » retrace cette évolution, d’Alfred Thompson Bricher à John Leslie Breck, en passant par James Abbott McNeill Whistler et William Merritt Chase.

Cette exposition sera consacrée à Agnès Varda qui a toujours été très attachée à l’œuvre du Facteur Cheval et a aimé revenir visiter son Palais Idéal à de nombreuses reprises depuis les années 50.




Intitulée  "Agnès Varda. Correspondances", 
l'exposition met à jour les liens qui unissaient Agnès Varda à ce lieu unique à travers son goût pour les relations épistolaires, sa passion pour les cartes postales, ses références à la figure emblématique du postier-facteur qui traversera souvent son œuvre cinématographique et documentaire.

Ce projet s’inscrit dans la nouvelle programmation culturelle du Palais Idéal portée par son directeur, Frédéric Legros, souhaitant associer la création contemporaine et des hommages d’artistes à la figure créatrice de Ferdinand Cheval.

Avril 1879. Ferdinand Cheval, facteur rural âgé alors de 43 ans, butte sur une pierre si bizarre lors de sa tournée qu’elle réveille un rêve.

Véritable autodidacte, il va consacrer 33 ans de sa vie à bâtir seul, un palais de rêve dans son potager, inspiré par la nature, les cartes postales et les premiers magazines illustrés qu’il distribue. Parcourant chaque jour une trentaine de kilomètres pour ses tournées en pleine campagne, il va ramasser des pierres, aidé de sa fidèle brouette. En solitaire, incompris, il inscrit sur son monument "travail d’un seul homme".

Son palais de rêve est achevé en 1912. Au cœur d’un jardin luxuriant, il imagine un palais inhabitable, peuplé d’un incroyable bestiaire - pieuvre, biche, caïman, éléphant, pélican, ours, oiseaux… Mais aussi des géants, des fées, des personnages mythologiques ou encore des cascades, des architectures de tous les continents.

Une œuvre architecturale aussi inclassable qu’universelle. Unique au monde, le Palais Idéal a inspiré les artistes durant plus d’un siècle. Indépendant de tout courant artistique, construit sans aucune règle d’architecture, le Palais idéal a fait l’admiration des surréalistes, a été reconnu comme une œuvre d’art brut. Il a été classé en 1969 Monument Historique par André Malraux, alors ministre de la Culture, au titre de l’art naïf.

 

Le parcours d’exposition réunira des photographies d’Agnès Varda et des œuvres en lien avec certains de ses films.



Notamment Les glaneurs et la glaneuse ou Deux ans après, ainsi que de nombreuses pièces de sa collection personnelle : lettres échangées avec des artistes tels Calder, Pierre François ou Chris Marker, collections de cartes postales anciennes, témoignages de spectateurs qui ont aimé ses films.

Des personnes connues ou inconnues ont alimenté ce plaisir postal tout au long de sa vie comme le montrent de nombreux documents, art-mails ou cadeaux d’art modestes, témoins créatifs et ludiques mis en correspondances dans l’exposition.