« Ce monument est notre cathédrale de Reims, notre basilique Saint-Denis, notre Panthéon » commente notre guide en évoquant les lieux.

Les dynasties Piast, angevine et Jagellon qui se sont succédé ici ont été sacrées et reposent dans cette cathédrale emblématique avant que les rois ne soient ensuite élus. Jean Paul II, pape canonisé en 2014, fut évêque puis archevêque de Cracovie. Cela ne s’oublie pas et une sculpture lui rend hommage s au pied des marche.  L’impressionnant mausolée de Saint Stanislas, sarcophage en argent massif sous baldaquin baroque, se dresse au centre de la nef. Son corps démembré, selon la légende, symbolisa longtemps le martyre de la Pologne dépecée durant son histoire. Suivent le sarcophage en marbre rose de Ladislas Jagellon vainqueur des Chevaliers teutoniques, de Ladislas le Bref, de Kazimierz le Grand, chef d’œuvre en marbre rouge, et une vingtaine de chapelles dont celles de la sainte Croix et de la Reine Sophie…Dans la crypte reposent les dépouilles de rois et de reines, de princes, de poètes et de héros nationaux. Noms fameux qui défilent et qu’on ne retiendra pas sauf le souvenir de la solennité et de la beauté de ces œuvres mortuaires.

En redescendant vers le centre-ville il faut s’aventurer dans les passages et sous les porches et découvrir les cours anciennes aux façades armoriées. Se poser aussi pour le plaisir de sentir l’ambiance locale dans un café à l’ancienne et d’autres plus branchés animés par une jeunesse étudiante et tonique.

Le tout se vit dans un joyeux mélange de styles et de créativité sur fond d’une architecture de haut vol où pierres gothiques et baroques se donnent le change pour conter la longue et riche histoire de cette ville unique. Le mieux est de s’y perdre tant il est facile de s’y retrouver grâce à l’antique plan en damier qui facilite les repérages. Et surtout ne pas manquer quelques-unes des rues majeures, moins fréquentées durant cette période de l’année. Comme au sud, la rue Kanonicza avec son musée de l’Archevêché qui recèle des merveilles de peintures anciennes. Jadis tronçon de la voie royale avec ses demeures patriciennes et ses façades Renaissance elle mène tout droit à l’immense place du Rynek Glowny. En parallèle, la rue Grodzka flanquée de ses deux monastères dominicain et franciscain est la plus ancienne et affiche une animation quotidienne. Au nord du Rynek, la rue Florianska où logèrent Franz Liszt et le tsar Alexandre 1^er regorge de boutiques colorées et de friandises irrésistibles jusqu’à la porte Florian jadis reliée à la Barbacane cette étonnante forteresse circulaire du XVe siècle dont les murs de 3 mètres d’épaisseur percés de 130 meurtrières défendirent jadis vaillamment la ville avant de devenir aujourd’hui un centre de concerts à proximité du théâtre Stowacki, fortement inspiré, lui, de l’Opéra Garnier de Paris. Vous voici à arrivés sur les Planty, à l’emplacement des anciennes fortifications devenues un parc circulaire cintrant la vieille ville pour une balade de charme à l’écart de l’agitation urbaine.

L’une des plus vastes places médiévales d’Europe arbore fièrement l’harmonie de ses façades néoclassiques animées d’innombrables cafés et restaurants dans un irrésistible air Mittel Europa du siècle dernier.

Au centre se dresse la statue d’Adam Mickiewicz, l’un des plus grands poètes romantiques de Pologne et les échoppes des marchands de fleurs ainsi que la Halle aux draps du XIVe siècle, marché couvert incendié puis rebâti en style Renaissance avec ses arcades abritant de nombreuses boutiques de souvenirs… La basilique gothique Sainte-Marie est le chef d’œuvre incontesté de la place avec ses deux tours asymétriques du XIVe siècle et l’animation chaque heure depuis la plus haute tour aux 16 clochetons d’une sonnerie de trompette, le Hejnal, en mémoire d’une vieille légende de Cracovie. Si une montée est conseillée jusqu’au sommet de la tour pour la vue panoramique sur la ville, il ne faut surtout pas manquer à 12h précises l’ouverture solennelle dans le chœur de l’un des plus somptueux retables de la fin du gothique dû au grand sculpteur allemand Veit Stoss. Un chef d’œuvre haut de 16 mètres, large de 11 une fois ses volets ouverts, certains des 200 personnages dorés à l’or fin dépassant les 3 mètres. La partie centrale représente la Vierge et les apôtres. L’intérieur de la basilique est orné de fresques et les voûtes en ogives s’éclairent d’une myriade d’étoiles dorées…

La collection du Musée des Princes Czartoryski qualifiée de “plus précieuse, plus riche, plus époustouflante des collections d’art“ est un autre incontournable sur la place du Rynek dans la vieille ville.


Constituée à partir de 1792 par la riche aristocrate Izabela Czartoryska, afin de protéger et conserver l’héritage culturel et historique de son pays si souvent mis à mal, l’ensemble comporte d’exceptionnels trésors. Parmi eux, la Dame à l’hermine de Léonard de Vinci, le Paysage avec le bon Samaritain de Rembrandt, des portraits et miniatures de Lucas Cranach et une multitude d’objets religieux, trophées, tapisseries et armures. S’il n’y en avait qu’un c’est “Le“ musée à voir à Cracovie !

Dans un esprit plus festif, le Musée Historique de la ville expose chaque année après le concours sur la grand place les dizaines de crèches uniques en leur genre que la population locale fabrique durant l’année. Il ne s’agit pas ici de traditionnelles nativités avec enfant Jésus mais d’architectures complexes pouvant mesurer jusqu’à 3 mètres, reproduisant ou interprétant les principaux monuments religieux de la ville.

Cette tradition remonte au XIXe siècle et on la doit aux maçons privés de travail durant les durs mois d’hiver qui s’occupaient en construisant avec du carton et du papier argenté ces merveilles qui depuis ont fait école. Le concours est ouvert aux artistes, aux amateurs comme aux enfants et les plus belles crèches seront acquises par le musée.

Sacrée capitale européenne de la gastronomie en 2019 Cracovie n’a pas démérité de son titre depuis avec une génération de jeunes chefs qui vient enrichir la palette existante des traditions polonaises.

Et l’offre aujourd’hui se décline aussi bien en haute cuisine qu’en plats créatifs ou à ceux, particulièrement réconfortants en hiver, hérités d’un passé plus rustique. Comme la Zurek, cette délicieuse aigre soupe de farine fermentée cuite avec crème, saucisses, champignons et pommes de terre. La gastronomie est ici le résultat d’un “joyeux melting pot culinaire“ aux influences juives et musulmanes mais aussi allemandes et austro-hongroises. Ce qui ne l’empêche pas de rester fidèle à ses pierogis (ravioles), sa choucroute bigos, sa carpe et son oie farcie pour les fêtes. Des plus raffinés aux plus modestes les plats sont toujours goûteux et soucieux de produits authentiques, le tout à des prix très doux.

Il y quatre décennies un plan courageux revitalisait cette ancienne figure de proue du développement industriel et portuaire espagnol victime de la crise métallurgique et de la fermeture des chantiers navals.

Les plus grands noms de l’architecture mondiale et du design seront sollicités pour donner à la ville un nouvel essor. D’abord Norman Forster pour les deux lignes du métro avec leurs “fosteritos“, ces entrées en demi-cercles de verre et d’acier qui semblent plonger dans la terre. Philippe Starck apportera sa contribution en transformant un ancien magasin de vins en centre multiculturel. De même, César Pelli érigera la plus haute tour de la région, la Tour Iberdrola. Sans oublier Calatrava justement célèbre pour la légèreté de ses lignes immaculées, ici le pont ZuriZuri et le terminal de l’aéroport. Mais la pièce maîtresse incontestée, celle qui a métamorphosé le destin économique, culturel et touristique de la cité, c’est bien-sûr le Guggenheim de Frank Gehry inauguré en 1997 sur la Ria Nervion.

Il est conseillé de le contourner pour en admirer l’architecture complexe et voir de près sa couverture de 33 000 fines plaques en titane où se reflètent les changements atmosphériques avec des teintes qui évoluent selon les lumières changeantes de la journée.

A l’entrée, la mascotte Puppy, le chien floral de Jeff Koons, est restée en place depuis l’inauguration et nécessite des soins horticoles quasi quotidiens. La grande araignée “Maman“ de Louise Bourgeois semble avoir trouvé sa place en bord de Ria de même que le “Grand arbre et œil“ une pyramide de boules métalliques signée Anish Kapoor. Une visite s’impose à l’intérieur pour se perdre dans les vastes espaces de béton et d’acier qui accueillent les œuvres monumentales de Richard Serra, “Mater of Time“, ainsi que l’étonnante exposition temporaire actuelle “Motion : Autos, art, Architecture“ voulue par Norman Foster. Sans oublier la collection permanente et ses œuvres majeures d’art contemporain.

Avant de flâner au hasard des rues, un conseil : consacrez au moins une heure au Musée des Beaux-Arts pour les œuvres du Greco, Zurbaran, Ribeira et Goya ces grands peintres espagnols. Puis laissez-vous aller dans le labyrinthe de ce vieux quartier très prisé.



C’est là que bat le cœur de la cité et vous le sentirez très vite car l’ambiance est au top à l’heure du déjeuner ou en fin de journée quand les nombreux bars à pintxos sont pris d’assaut.

Il s’agit de choisir dans la multitude des petits amuse-gueules souvent très élaborés deux ou trois de ces plats miniaturisés. Chaque bar ou resto a ses spécialités qu’on déguste avec un verre de vin blanc local, comme le légèrement pétillant txakoli.

Cela s’appelle xikiteo et veut dire aller de bar en bar entre amis pour boire quelques verres accompagnés de pintxos…La Bodega de Ola est l’une de ces savoureuses adresses qui en proposent de vraies dégustations comme son délicat Mille-feuilles caramélisé avec anguille fumée, foie gras, pomme verte et ciboulette ; ou un Carpaccio de crevette rouge sur fond de crustacés, tarama et croustillant d’algues.

Des créations de mains de maître qui s’avalent en une ou deux bouchées.

Dans ce Casco viejo le quartier des 7 rues est le plus couru, celui qui a gardé tout son caractère. On s’y perd avec bonheur à travers places, impasses, façades baroques, néoclassiques, modernistes…

C’est là aussi que se trouvent les plus belles boutiques de shopping. Ceux qui aiment goûter sans façons les produits locaux vont adorer le Marché municipal de La Ribera, le plus grand marché couvert d’Europe ! Côté modernité, voyez la tour électrique de 120 étages, le Palais des congrès dans les anciens quartiers navals, les espaces verts à la place des anciens quartiers ouvriers, les réalisations toujours plus contemporaines... Bilbao a pris son élan vers le monde de demain et l’avenue Abandoibarra, vaste promenade, est devenue le nouveau centre de culture et d’affaires entre tours audacieuses et grandes maisons bourgeoises. Un parcours architectural qui confirme l’évolution résolument contemporaine de Bilbao.

On a quitté la côte et traversé quelques montagnes et vallées agricoles avant d’arriver dans cette capitale administrative appréciée pour ses nombreux espaces naturels (20m² par habitant) en plein cœur de ville.

Une ville qu’il sera très agréable de découvrir à pied ou à vélo sur plus de 47 km de pistes et de sentiers à travers les parcs qui jalonnent la ceinture urbaine et les lagunes où vivent oiseaux et cervidés à quelques kilomètres du centre. Vitoria-Gasteiz se découvre à pied tout simplement dans ce qu’on appelle ici l’“amende médiévale“, la partie la plus ancienne. L’emblème en est la cathédrale gothique Santa Maria bien qu’elle soit en travaux depuis des lustres. Néanmoins des visites guidées très originales de ce monument “ouvert pour travaux“ vous accueillent casque sur la tête depuis les soubassements récemment découverts jusqu’au très étroit chemin de ronde et ses tours fortifiées. Cette longue restauration a même inspiré le romancier Ken Follett pour sa trilogie “Les Piliers de la terre“ d’où sa statue en bronze à deux pas…

Chaque année le 4 août la place Virgen Blanca, tout près de la cathédrale, s’anime durant la grande fête de Vitoria après qu’un curieux personnage, Céladon, a sauté en parachute depuis le clocher de l’église San Miguel. Les réjouissances peuvent alors commencer, elles dureront une semaine…


A deux pas d’ici l’autre grand place, celle d’Espagne, aligne ses arcades néoclassiques qui forment une ombre fraiche bienvenue l’été pour les terrasses de café, les restos et les magasins.

Tout autour, les rues grimpent et descendent et mieux vaut être bien chaussés pour la balade entre façades anciennes tout en couleurs et quelques palais dont certains peuvent se visiter.

Les amateurs d’art apprécieront aussi les “murales“, ces fresques et œuvres de Street art ornant les murs abandonnés qui font l’objet d’un itinéraire proposé. Et bien sûr, ils ne résisteront pas à la dégustation de quelques délicieux pintxos en fin de journée avec la possibilité de participer à des ateliers pour s’initier à la confection de ces délicieux mini-plats.

Retour sur la côte pour découvrir la ville basque la plus proche de la frontière, à 25km exactement d’Hendaye.

Avec sa vaste baie, la Concha, encadrée des ilots rocheux Igeldo et Urgull, cette cité balnéaire en été est très active toute l’année. Commencez par une balade sur la plage bordée de maisons néo-basques face à la mer Cantabrique avec en surplomb le très british ex-Palais royal Miramar et sachez que si l’impératrice française Eugénie de Montijo séjournait régulièrement à Biarritz, la reine Marie-Christine d’Espagne fit de San Sebastian sa villégiature préférée participant ainsi à son essor balnéaire. Aux deux extrémités de la baie les grands sculpteurs contemporains locaux sont honorés, Eduardo Chillida avec son Peigne du “Vent en bronze“ qui semble jouer avec les vagues et Jorge Oteiza dont la “Construction vide“ est plantée sur le mont Urgull.

Le fleuve Urumea traverse San Sebastian du nord au sud en passant sous six ponts remarquables avant de finir dans la mer sur la Concha.


Flâner sur ses deux rives donne une idée de la prospérité passée de cette ville plusieurs fois détruite puis reconstruite au XIXè siècle dans une belle harmonie d’ensemble.

D’un côté le quartier branché de Gros, ses terrasses, ses bars à pintxos et son ambiance surfeurs sur la deuxième plage de Zurriola. De l’autre, la vieille ville et son riche patrimoine. A commencer par la grande place de la Constitucion dont les arcades abritent de la pluie comme du soleil.

Tout près, l’église San Vicente et son riche retable polychrome en bois sculpté. Il faut se perdre dans le labyrinthe des rues et des places. La Calle Mayor vous mène à la basilique Santa Maria del Coro où débute la “route des pintxos“ puis rue Fermin Calbeton pour craquer sur le shopping. Place de la Trinidad se succèdent les événements musicaux.

Ne pas manquer une visite au musée San Telmo dans un ancien couvent dominicain du XVe siècle réhabilité. C’est ce qu’on fait de mieux sur la culture basque de la préhistoire à nos jours et l’exposition temporaire consacrée à Eduardo Chillida et Jorge Oteiza dans le nouveau bâtiment très contemporain vaut aussi la visite. Un conseil pour un excellent déjeuner de pintxos ? Faufilez-vous le long du comptoir du Bare Bare jusqu’en fond de salle si vous voulez vous asseoir. Tout y est excellent d’où la sympathique affluence. Ambiance garantie !

Nombreuses sont les fêtes à San Sebastian mais le top c’est bien-sûr le Festival du cinéma qui se place en quatrième position après Cannes, Venise et Berlin.

Depuis 1953 il a vu passer les plus grandes stars internationales et les réalisateurs du monde entier. Chaque année en septembre une Coquille d’Or (Concha de Oro) est décernée au meilleur film et trois Coquilles d’Argent (Conchas de Plata) vont aux meilleur réalisateur, acteur et actrice sur une sélection officielle d’une quinzaine de longs métrages et de deux à trois films hors compétition. D’autres prix sont également décernés par le jury composé d’artistes et de personnalités du 7^e art, du spectacle et de la culture dont le prix Donostia qui rend hommage à des acteurs à la carrière marquante. Parmi les lauréats on garde la mémoire de Giulietta Masina, Audrey Hepburn, Ava Gardner, Monica Vitti, Stéphane Audran, Sophia Loren, Victoria Abril, Julie Christie, Kirk Douglas, James Stewart, Marcello Mastroianni, Claude Rich, Lino Ventura, Al Pacino, Javier Bardem ainsi que de nombreux metteurs en scène comme Alfred Hitchcock… Un circuit est proposé en ville sur le thème du cinéma.

Depuis San Sebastian la route en corniche suit la côte jusqu’à ce gros village qui fait face à la mer avec son église fortifiée et ses ruelles étroites en pente.

C’est là que naquit en 1895 Cristobal Balenciaga, le couturier que ses pairs dont Christian Dior reconnaîtront comme leur “maître“ car il fut le premier à transformer la silhouette de la femme en épurant les lignes. Le musée qui lui est consacré, inauguré en 2011, comporte deux bâtiments dont l’ancien Palais Aldamar et une annexe contemporaine conçue par Julian Argilagos. La visite présente dans une scénographie à la hauteur du sujet les éléments fondamentaux du travail de ce grand couturier qui resta toujours très discret sur sa vie privée et dont les créations furent aussi très appréciées par les têtes couronnées.

C.Gary

Sa créativité dans le domaine de la céramique fait de Johan Creten l’un des précurseurs du grand renouveau de cet art et à ce titre lui vaut d’être reconnu à l’international dans nombre de musées et d’expositions qui participent à la reconnaissance de l’art de la terre et du feu.

Flamand d’origine né en 1963, cet artiste à la personnalité communicative voire humoristique a choisi de vivre à Paris. Mais il a l’esprit nomade aussi, en se défendant de travailler toujours dans le même atelier, il préfère travailler un peu en nomade, ici et là dans les pays qui l’inspirent ; le Mexique, Rome, Miami, La Haye… Le choix de son médium il l’assume depuis les années 1980 avec passion et conviction malgré l’indifférence voire le dédain affiché par ceux qui édictent les critères et les valeurs de l’art. Car il s’agit ici de véritables de sculptures en céramique, parfois aussi en bronze, chaque œuvre étant unique.  

 L’exposition à La Piscine se décline en trois temps.

D’abord, “C’est dans ma nature“ conçu en 2000. Dix panneaux mobiles couverts de briquettes factices accueillent ses petits bas-reliefs en céramique qui ont dialogué précédemment avec les élèves du collège d’Aulnay-sous-Bois. Vient ensuite “Bestiarum“ un ensemble de 17 sculptures animalières en céramique émaillée dont les glaçures aux couleurs irisées attirent l’attention par leur singularité. Une mouche géante endormie dans une position féminine suscite l’interrogation de même qu’un pélican figé dans sa tristesse ou un mouton rappelant la défunte vocation lainière de Roubaix… Loin du naturalisme, le bestiaire de Johan Creten crée une ambiance, un univers où le symbole émerge de même qu’une représentation sous-jacente d’un monde, le nôtre, non dénué d’inquiétude, de mélancolie mais aussi de vie. Troisième acte, “De Vleermuis“, 2019, une chauve-souris géante à l’entrée du musée vous invite à gravir un escalier qui permet de se placer entre ses ailes déployées…
 

Beauté décorative, art mural… ces qualificatifs élogieux mettront du temps à s’imposer face aux œuvres assez académiques préexistantes considérées comme secondaires aux yeux des censeurs.

Et en effet, si dans les décennies précédentes des peintres comme Puvis de Chavannes œuvrent pour des commandes officielles, mairies, gares, lieux publics, le statut de leurs interventions n’atteint pas la reconnaissance attribuée au grand art. Les Impressionnistes vont faire bouger les frontières entre tableau de chevalet et peinture décorative dans la liberté de leurs supports, de leurs sujets et de leurs déclarations d’intention. Comme ces mots du peintre André Masson à l’intention de des Nymphéas de Claude Monet qu’il nomme la “chapelle Sixtine de l’Impressionnisme“, relayant Monet lui-même qui parle de “grandes décorations“ pour ses 90 mètres d’immersion dans la couleur exécutés sur des murs. Degas affirme sans hésiter “le rêve de toute ma vie était de peindre sur des murs“ tandis que Renoir aurait aimé “transformer des murs entiers en Olympe“. Et il est vrai qu’ils ne vont pas se priver de ce langage décoratif comme le montre l’exposition de l’Orangerie dans une sélection d’œuvres ornementales des plus grands peintres impressionnistes. Car désormais, ils décorent aussi espaces privés et même objets de toutes sortes comme on le découvre dans la succession des salles.  Avec en apothéose finale les Nymphéas de Monet, présents à l’Orangerie depuis près d’un siècle. On découvre à cette occasion la profusion de supports et de scènes de la vie quotidienne, de décors floraux, de joyeux paysages. L’intention étant toujours, selon les mots de Renoir, de “mettre un peu de gaieté sur un mur“. Que ce soit Cézanne décorant le salon de la maison familiale, Berthe Morisot, Pissarro, Renoir, Monet, Caillebotte, Manet, tous ou presque ont exercé leur art sur des supports non conventionnels qui enrichissent notre regard sur l’Impressionnisme.


 
 

 
Né en 1911 ce peintre juif d’origine russe voit sa vie et son œuvre marquée par la guerre et les combats. A commencer enfant par la perte d’un père mort au front en 1915, d’une mère victime de la rafle du Vél d’Hiv et de l’holocauste à Auschwitz.

Membre de l’Association des écrivains et artistes révolutionnaires il adhère en 1930 au Parti communiste dans la droite ligne des espoirs du Front Populaire et des luttes contre le fascisme. Cela lui vaut d’être incarcéré puis envoyé au camp de Buchenwald dont il se fait le témoin des heures sombres dans nombre de ses toiles et de ses dessins au retour. Avec une œuvre qui ne cessera de dénoncer les grands bouleversements et les souffrances collectives de son époque. Décolonisation de l’Indochine et de l’Algérie et, plus proches, combats sociaux des ouvriers, des mineurs et métallurgistes de l’ère industrielle…
 
Boris Taslitzky suit son chemin pictural très particulier à l’écart des voies entreprises par les peintres abstraits, cubistes ou surréalistes.

Ses modèles se situent du côté des grandes fresques de David, de Courbet mais aussi de Delacroix et de Géricault, avec l’ambition d’être un peintre d’histoire témoin de son temps dans un “réalisme à contenu social“.  Et si la force tragique de certains grands tableaux heurtent par la violence de leur sujet, comme ses corps décharnés témoignant de la libération des camps, jamais il ne se départit d’une luxuriance de la couleur et, comme il le dit alors, de la “beauté de l’horreur“ dans ce “carnaval de la souffrance inouïe“. Comme le fit par exemple Géricault dans Le Radeau de la méduse.

De son vrai nom Axel Gallen, Akseli Gallen-Kallela, né en 1865 et mort en 1931, est l’un des artistes phares finlandais de son époque avec une œuvre très originale imprégnée des mythes et des légendes d’une nature nordique à laquelle il restera fidèle jusqu’à la fin.


Il se forme d’abord au dessin à la Société des beaux-arts d’Helsinki puis séjourne plusieurs fois à Paris où il suit les cours du peintre Bouguereau avant de voyager aussi à Londres et à Berlin. Mais son ancrage et son inspiration, du naturalisme au symbolisme, seront toujours profondément marqués par sa terre natale.

C’est ainsi que le mythe du Kalevala prend forme sur ses toiles, avec en particulier la Légende d’Aïno dont il fait un triptyque en trois scènes illustrant l’histoire de cette princesse du Nord promise à un vieillard et qui pour échapper à sa poursuite se transforme en nymphe avant de devenir saumon et de fuir dans les eaux.

Gallen-Kallela trouve cette inspiration pendant un voyage avec son épouse Mary dans la nature sauvage de Carélie et le succès de l’œuvre dépassera les frontières.

Ces moments de bonheur seront plus tard endeuillés par la mort de leur fille qui inspirera aussi son œuvre. Artiste solitaire, observateur de la botanique et de la nature qui l’entoure dans sa maison-atelier en rondins de bois, il aime aussi partager ses conceptions et sa vision d’une nature sacrée au langage ésotérique, porteuse d’une dimension mystique liée aux cycles de la vie et de la mort.

L’œuvre de Gallen Kallela transporte au-delà des paysages représentés vers un univers de beauté et de surnaturel transfigurant la simple représentation.

 

Né à Lausanne le 20 novembre 1859, mort à Paris le 14 décembre 1923 Steinlen s’installe à Paris en 1881 sur la butte Montmartre et y restera fidèle jusqu’à la fin.

Il fait de la butte l’une de ses inspirations majeures, peint ses ruelles et surtout livre une quantité innombrable de dessins, de gravures et d’affiches sur tout ce qui fait le caractère de sa population. A commencer par les chats, dont une vingtaine peuple son atelier, Cat’s Cottage, et qui deviendront vite son emblème à partir du moment où il fréquente le cabaret du Chat noir au cœur de la butte et son propriétaire Rodolphe Salis. C’est là qu’il rencontre Aristide Bruant, les musiciens Claude Debussy et Eric Satie, les peintres Toulouse-Lautrec et Vincent Van Gogh et de nombreux poètes dont Verlaine et Alphonse Allais. Sans oublier les danseuses du Moulin Rouge et la vie nocturne et animée qu’on y mène. L’ambiance est propice à la créativité et à la liberté de pensée. L’affiche du Chat noir (1896) dont le style montre son intérêt pour la gravure japonaise fera vite sa renommée. Steinlen devient vite un illustrateur très apprécié des journaux comme Le Mirliton et un affichiste reconnu pour ses scènes de rue. Chanteurs de rue, petits métiers des blanchisseuses et des ouvriers, vagabonds… avec toujours un regard compatissant et engagé du côté des miséreux, comme Zola l’est à l’époque. Dans ce même esprit il obtient en 1917 un laisser-passer de Clémenceau pour s’approcher des tranchées et croquer les horreurs de la guerre de très près et le quotidien de la guerre à l’arrière, avec les femmes, les réfugiés, les villages désertés… Steinlen fait aussi les portraits ou les caricatures des personnalités de l’époque qui gravitent autour de lui ce qui fait de ses dessins et gravures de presse un témoignage précieux et émouvant de cette fin du XIXe siècle. N’oublions pas aussi son œuvre peint. En particulier les paysages de la Norvège où il voyage en 1901, de la vallée de l’Oise et du village de Jouy-la-Fontaine près des bords de la rivière où il acquiert une maison. Aimant le jardinage il peint et dessine ses fleurs préférées, les anémones, les pivoines, les dahlias dans la sérénité de cette campagne dont héritera sa fille Colette. L'exposition au château d'Auvers-sur-Oise, rend hommage à cet artiste aujourd’hui moins connu dont l’œuvre prolifique mérite la redécouverte dans ce village où Van Gogh a vécu ses derniers mois et où il est enterré près de son frère.

Comme souvent en Bretagne les temps lointains sont auréolés de mythes et de récits fantastiques. On attribue la fondation de Quimper à Gradlon, roi de la légendaire ville engloutie d’Ys et figure incontournable de Cornouaille dont la statue équestre veille sur la ville entre les deux tours de la cathédrale gothique depuis plus de cinq siècles.


Celtes, Romains, Gallo-Romains, Barbares ont occupé tour à tour le territoire en laissant quelques traces. Plus tard, des fortifications seront érigées au confluent de l’Odet et du Steïr pour délimiter le domaine de la Cité épiscopale autour de la cathédrale dédiée à Saint-Corentin, premier évêque. Hors les murs et séparée par le Steïr la Cité ducale se déploie aussi mais dans le faubourg et sous l’autorité du duc de Bretagne. Elle devient vite un port fluvial très actif, en particulier dans le commerce du vin de Bordeaux ou d’Espagne et communique aussi plus tard avec le Nouveau Monde via les vingt kilomètres de méandres de l’Odet débouchant sur l’Atlantique. Les deux pouvoirs religieux et civil s’affrontent souvent et renforcent leurs défenses si bien que du XIIIe au XVe siècle la ville épiscopale est entièrement ceinte de ces remparts qui font aujourd’hui une jolie balade sur leur moitié restante le long des quais de l’Odet.
 

La construction de cette cathédrale Saint-Corentin s’échelonne sur plusieurs siècles à partir de 1239 avec comme dernière restauration une polychromie aux teintes mordorées fidèle aux couleurs du XVe siècle.

Quant aux deux hautes tours jumelles surmontées de flèches du XIXe siècle qui culminent à 76 mètres elles coiffent aussi la ville et tous ses quartiers de leur élégance aérienne. Quatre rues perpendiculaires menaient jadis aux portes des remparts. On s’y balade aujourd’hui en levant le nez pour ne rien manquer des ornements, enseignes et détails sculptés sur les façades à pans de bois. Certaines sont riches d’autres plus modestes mais toutes enjolivent les rues de leurs polychromies pour beaucoup restaurées. Comme cette maison des Cariatides aux piliers de granite sculptés de masques grimaçants qui fut jadis une taverne renommée ou cette statue-enseigne de petit paysan vêtu d’un costume du pays de Quimper. Il y en a exactement soixante-treize qui illustrent l’organisation urbaine de cette fin du Moyen-Âge. Certaines rues portent encore le nom des métiers d’autrefois. Rue du Sallé anciennement de la Chair salée, rue des Boucheries…. Ce riche patrimoine lui vaut aujourd'hui d'être labellisée “Ville d'art et d'histoire“. La rue Kéréon, celle qui se dirige en parallèle des rives de l’Odet vers la Terre au Duc, grouille d’activités en tous genres. Vitrines à la mode, magasins alimentaires, petits hôtels. Les restaurants préfèrent ouvrir leurs terrasses sur plus d’espace comme place au Beurre sur les hauteurs, place Saint-Corentin face à la cathédrale, place Terre au Duc près des quais du Steïr à l’extérieur des murs de jadis…Toutes ont leur charme et on s’y installe pour déguster une de ces crêpes dentelle au froment ou au seigle proposées des cent façons dont les Bretons sont les maîtres incontestés.

Au pied de la cathédrale le cloître de l’ancien palais épiscopal donne accès au Musée départemental breton dont la scénographie renouvelée sous les salles lambrissées initie le visiteur à l’histoire, à l’ethnographie et aux arts du Finistère depuis l’époque gallo-romaine et médiévale jusqu’à nos jours.

Statuaire, vitrail, orfèvrerie mais aussi richesse des dentelles et des broderies des costumes traditionnels qui ont de quoi vous surprendre. Trois cents pièces de grès et de faïences illustrent ensuite cet art local qui a traversé les siècles et inspire aujourd’hui les artisans et les artistes contemporains.
Le musée des Beaux-Arts de Quimper possède une riche collection de peintures. Parmi les plus anciennes on admire Breughel et Rubens mais aussi Boucher, Fragonard, Corot, Boudin… Comme il se doit la peinture d’inspiration bretonne du XIXe siècle est la plus représentée. Les paysages et la lumière de Cornouaille a attiré nombre de peintres bretons et ceux venus d’ailleurs comme en témoigne l’École de Pont-Aven. L’Oie de Gauguin peinte sur enduit de plâtre dans une auberge du Pouldu en est la preuve. Il est ici accompagné de Sérusier, Bernard, Maufra sans oublier les Nabis et les Symbolistes. Et aussi Max Jacob natif de Quimper qui inspira aussi quelques artistes bretons. Un hommage lui est rendu dans une salle et sa présence est toujours forte en ville le long du quai de l’Odet où il vécut et dans un jardin qui porte son nom. Surtout ne pas manquer l’ancien décor de l’hôtel de l’Epée sur les quais qui a rejoint les murs du musée. Vingt-trois grandes fresques du peintre Jean-Julien Lemordant inspirées des intempéries, des rudes départs en mer et de quelques traditions bretonnes.
Au musée de la Faïence on découvre l’histoire, les techniques de fabrication, les liens avec les faïenciers de Nevers, de Marseille et de Rouen de ces faïenciers de Quimper qui on fait de cet art de la terre l’emblème de leur ville depuis trois siècles. Les cinq-cents pièces présentées donnent une idée de la beauté et de la diversité de cette tradition locale.

Dans le quartier de Locmaria doté d'un ancien prieuré, d'un jardin médiéval labellisé Jardin remarquable et d'une église romane et tout près de ce dernier musée, la Faïencerie Henriot-Quimper perpétue l’art de la faïence, peinte selon la technique de la peinture “à la touche“ avec le pinceau à main levée.

Toujours fidèle aux réalisations qui ont fait son succès elle s’est ouverte depuis quelques années aux artistes contemporains. Yann Kersalé, Mathieu Pung, Claudine Kerbrat, Hervé le Nost, Jacques Villeglé… Ce dernier, né à Quimper, fut chef de file des Affichistes et membre des Nouveaux Réalistes. Une visite aux ateliers permet de suivre les différentes étapes de la fabrication depuis les pains d’argile jusqu’à la sortie des fours.  Quelques pas plus loin on pousse la porte de l’Ecole de Broderie de Pascal Jaouen, styliste et brodeur breton qui n’en est pas à sa première collection ni ouverture d’écoles. Émerveillé étant enfant par les costumes que portaient les grands-mères le dimanche, la variété des motifs et la légèreté diaphane des coiffes, il en a collectionné les points et les styles pour en préserver la beauté et s’en inspire en les modernisant. Il est reconnu comme un des grands de la broderie dans le monde de la mode, du théâtre, du show-biz et notamment pour les costumes de scène de Nolwenn Leroy, autre Bretonne de cœur et d’inspiration. Côte travail du verre il est intéressant de voir le travail de Nolwenn Le Lay dans son Atelier Couleur et Verre. Elle revisite à sa façon la silhouette des Bigoudènes avec leur haute coiffe de dentelle et les anime de couleurs diverses pour en faire une amusante collection.

 

 A une vingtaine de minutes de Quimper ce village est un incontournable. On y accède à pied par les ruelles bordées de vieux murs en granit, fleuries du bleu et rose des agapanthes et des hortensias.

L’harmonie architecturale et le charme hors du temps qui règne ici témoignent d’un passé prospère. Une histoire qui commence comme son nom l’indique avec Ronan, un saint irlandais venu apporter la bonne nouvelle au VIe siècle sur des terres vouées au culte druidique. La prospérité viendra néanmoins plus tard. Grâce à la culture du chanvre au XIVe siècle elle va se surpasser dans la fabrication de les toiles à voile. Leur qualité équipera les marines de guerre anglaise et hollandaise, les galions espagnols de l’Invincible Armada, les caravelles de Christophe Colomb et vogueront sur tous les océans. Aux XVIe et XVIIe siècles c’est l’apogée. Artisans, commerçants et petite noblesse sont à l’œuvre et le village s’enrichit de maisons Renaissance en granite. Sur la place principale, les enseignes de la Compagnie des Indes et du bureau d’enregistrement royal des toiles sont toujours visibles face à la grande église du XVe siècle. Cette dernière attire aussi tous les six ans la grande Troménie, l’un des plus importants pèlerinages de Bretagne. Ce bel ensemble architectural, repéré depuis longtemps par les cinéastes, prête à merveille ses décors authentiques aux films historiques. Parmi les premiers, Polanski y a filmé Tess, puis ce seront Philippe de Broca pour Les Chouans, Jean-Pierre Jeunet pour Un Dimanche de fiançailles…

  

Dans ces criques abritées la mer joue les transparences et prend des airs de lagon tropical. Par ciel bleu seule l’ombre des pins vous rappelle que vous êtes en Bretagne à une quinzaine de kilomètres de Quimper.

On peut s’embarquer en ville au port de Corniguel pour une croisière à travers les méandres de l’Odet jusqu’à son embouchure. Une heure de balade à travers les plus beaux des paysages boisés de Bretagne avec vue sur châteaux, manoirs, chapelles isolées…A l’arrivée, voici Sainte-Marine et Bénodet, chacune d’un côté. A Sainte-Marine, petit bijou avec seulement quelques maisons et hôtels sur le port, il faut grimper à travers bois de chênes verts et de pins pour la chapelle et ses lumineux vitraux et la vue surplombant la mer. Le bac accoste en quelques minutes à Bénodet et ses jolies maisons Belle époque. Le bord de mer accessible à pied vous mène jusqu’à la mer Blanche, trait d’union entre Bénodet et la pointe du Mousterlin de Fouesnant. Avec, côté océan, la vue sur les Glénan et la plage de sable blanc, côté terre, la riche biodiversité des marais et des prés-salés chers aux gravelots, huîtriers-pie ou bécasseux. La mer, transparente sur fond de sable blond, décline la gamme complète du bleu-clair au turquoise en une palette unique aimée des pêcheurs à pied. Un pur enchantement qui se déguste à La Paillote, petite crêperie installée l’été sur la plage. A hauteur de Fouesnant-les Glénan la balade continue sur ce GR 34 et ancien chemin des Douaniers en une succession de criques où il fait bon se baigner. Beg-Meil garde le souvenir de Marcel Proust qui séjourne ici en 1895 comme il le rappelle dans les premières lignes de Jean Santeuil de sa Recherche du temps perdu. Sans doute a-t-il visité la belle église romane du XIe siècle devant laquelle se dresse un calvaire en granit dédié à la Vierge. A la Forêt-Fouesnant la longue plage de sable fin de Kerleven est le rendez-vous estival des familles à 15 kilomètres seulement de Quimper. Non loin, Port-la-Forêt, deuxième port de plaisance du Finistère, est fier de son Pôle Finistère course au large qui orme les plus grands skippers de courses au large comme Armel Le Cléac'h, François Gabart, Jérémie Beyou ainsi que de futurs navigateurs.  

Cette exposition exceptionnelle présente pour la première fois en Europe plus de 300 pièces d’une civilisation qui s’est déployée jadis au sud du Mexique sur les sites de San Lorenzo puis de La Venta et dont il reste des vestiges spectaculaires.

Moins connue que les civilisations de Teotihuacan, les Mayas, les Aztèques, les Toltèques ou les Zapotèques qui font la si grande richesse patrimoniale du pays, la culture Olmèque (1600 à 400 av. J.-C.) garde encore ses mystères. Des rudiments d’écriture restent cependant à déchiffrer et on s’interroge encore sur l’usage de ces grosses balles en caoutchouc semblables à celles du jeu de pelote pratiqué comme un rite sacré par les autres cultures mésoaméricaines.

Quelques pièces remarquables donnent une idée de la spécificité de cette culture lointaine et en particulier une tête colossale découverte en 1946. Elle mesure 1,80 m et son nez épaté, ses lèvres charnues font penser aux moues d’un bébé. De nombreuses autres têtes géantes ont été mises à jour par la suite. Autre chef d’œuvre à admirer, ce Señor de las Limas, un humain assis en tailleur qui tient un bébé-jaguar endormi dans ses bras. Le parcours de l’exposition permet d’admirer successivement les œuvres trouvées sur les sites de San Lorenzo et de La Venta, les mythes figurés par les différentes sculptures, une certaine forme d’écriture, une façon de compter le temps long qui rappelle en moins précis celui des Mayas. Une section traite des hommes, des femmes et des divinités ainsi que des symboles du pouvoir, une autre expose les offrandes reflétant leurs croyances et leurs mythes. Dans cette région de fleuves, de rivières et de lagunes, les déplacements ont facilité par l’eau les interactions avec les peuples voisins. Comme avec les Huastèques dont la culture, l’une des plus intéressantes de la région, s’exprime dans une statuaire d’une très grande beauté.

Giorgio de Chirico. La peinture métaphysique
Au Musée de l’Orangerie

Le mystère qui se dégage de la juxtaposition inattendue des figurations bouscule notre raison et nous projette en un temps où antiquité et modernité coexisteraient dans un univers onirique, énigmatique fascinant.

L’architecture antique à l’italienne avec arcades, colonnes et statues y est traversée de trains barrant l’horizon, de motifs inanimés et d’objets insolites peints dans un style classique. Mannequins, corps réifiés, prothèses, accessoires de soin sont autant de références caustiques aux années bouleversées par la guerre. On pourrait qualifier ces scènes parfois inquiétantes de surréalité si le terme ne prêtait à confusion avec le Surréalisme, un mouvement auquel Chirico n’a jamais appartenu. En fait, c’est le terme “métaphysique“ qui lui convient et qu’il revendique.
 
Giorgio de Chirico, Italien né en Grèce, vit à Munich avant d’arriver à Paris en 1911. Il y reste pour un premier séjour jusqu’en 1915 avant de retrouver l’Italie. Pas étonnant que Guillaume Apollinaire soit frappé par cet artiste qui se déclare en faveur de “l’abolition du sens en art“ et situe ses maîtres du côté de l’Ecce Homo de Nietzsche et des Illuminations de Rimbaud. Sa singularité est saluée aussi par André Breton, pape du Surréalisme, remarquée par Picasso, soutenue par la galerie Paul Guillaume qui l’expose avec succès. Très tôt Chirico qualifie sa peinture de “métaphysique“.  « Dans le mot métaphysique je ne vois rien de ténébreux. C’est cette tranquille et absurde beauté de la matière qui me paraît “métaphysique“….

L’exposition s’attache à mettre en avant l’importance de ses cinq années parisiennes, fondamentales dans l’élaboration de cette œuvre énigmatique. Elle insiste sur les liens de Chirico avec les artistes et les écrivains de l’époque ce qui permet d’élargir le paysage culturel d’une époque où les échanges entre peintres et intellectuels étaient particulièrement féconds.

Matisse, comme un roman
Au Centre Georges Pompidou

Cet hommage rendu à Matisse (1869-1970) à l’occasion des 150 ans de sa naissance est un événement à la hauteur de l’homme et de son œuvre. Le concept et le titre de l’exposition est inspiré du livre “Henri Matisse, roman“ qu’Aragon, ami et admirateur, lui consacra en confrontant son travail d’écrivain et de poète à celui du peintre dont il fit le portrait.

L’exposition propose ainsi une présentation de 230 œuvres et 70 documents et archives de façon chronologique comme on parcourt les différents chapitres d’un livre. Peu d’œuvres venues des États-Unis ou de Russie mais des prêts de la famille, du musée de Grenoble et des musée Matisse de Nice et de Cateau-Cambrésis. De quoi admirer quelques chefs d’œuvre.

Matisse apprend le métier à l’Académie Julian puis à l’atelier de Gustave Moreau tout en visitant les grands maîtres du Louvre. Au départ, il se mesure à la sculpture, au dessin, à la gravure, mais c’est avec l’explosion heureuse du fauvisme que se révèle l’importance de la couleur incluant le noir, autre couleur. Elle restera présente jusque dans les papiers collés des dernières années. Sensible à la lumière il voyage en Bretagne, en Corse, dans le midi et à l’étranger et cherche aussi l’inspiration dans la simplification des formes des arts dits “primitifs“ sans aller jusqu’à l’abstraction des cubistes. Grand admirateur de Cézanne, il travaille le paysage mais aussi le portrait. On admire dans l’exposition ses multiples inspirations dont quelques intérieurs avec ou non des fenêtres grandes-ouvertes sur le jardin ou la mer. L’exposition se vit comme une initiation heureuse à la lumière et à la couleur dans une évolution constante des formes, des motifs et des techniques. Jamais statique, Matisse n’aura cessé de renouveler son langage pictural tout en restant attentif au travail des autres grands artistes de son temps. « L’importance d’un artiste se mesure à la quantité de nouveaux signes qu’il aura introduits dans le langage plastique »…

 Léon Spilliaert (1881-1946). Lumière et solitude
Au Musée d’Orsay

Cette exposition n’est pas une rétrospective mais plutôt une mise en avant des années 1900-1919, comme une immersion dans l’ambiance hallucinée des tableaux du peintre sous le signe du symbolisme et de l’expressionisme.

Cette période a été choisie car elle correspondant à un moment clé dans cette œuvre empreinte de mélancolie et d’angoisse existentielle faisant écho à celle d’Edvard Munch. Spilliaert s’est imprégné des paysages du nord des Pays-Bas proches de la ville d’Ostende où il a vécu quasiment toute sa vie. Les côtes y sont balayées par le vent sous des ciels de plomb, miroirs de ses états d’âme. Quelques figures, prises dans les intempéries du pays natal reflètent ses angoisses existentielles en ces années qui voient l’importance croissante de la psychanalyse mais sont aussi marquées par le tragique de la Première de guerre mondiale.

Spilliaert est autodidacte en peinture et ce sont plutôt les écrivains, ses contemporains, qui l’inspirent. Maurice Maeterlinck, Émile Verhaeren, Edgar Allan Poe… Il travaille beaucoup sur papier en utilisant des techniques graphiques variées, crayon, fusain, pastel, aquarelle ou encre de Chine, cette dernière lui permettant de jouer sur la transparence voire la noirceur traduisant bien cette mélancolie qui l’habite.  Le musée d’Orsay expose environ 90 œuvres, la plupart sont prêtées par des musées belges et américains. Parmi les quatre conservées dans ses collections notons de paysages nocturnes et un autoportrait révélateur de l’âme du peintre.