Pour So British François Pinault a prêté 10 œuvres d’artistes britanniques contemporains disposées dans différentes salles du musée afin d’interroger les liens historiques entre les deux pays au-delà du temps et des pratiques picturales.

« François Pinault souhaite que les œuvres qu’il a rassemblées soient mises à la disposition du public, aussi largement que possible. Elles le sont dans nos propres musées mais, aussi, grâce à de nombreux prêts consentis pour des expositions temporaires, au bénéfice de nombreux musées publics et privés. À Rouen, c’est une nouvelle forme de coopération qui s’est engagée. Elle prendra la forme du dépôt pour une période d’un an d’œuvres qui entreront en résonance avec celles du musée rouennais qui les accueillera » avait précisé Sylvain Amic.

Dans cette exposition Gilbert and George, Damien Hirst, et Keith Tyson surprennent le visiteur et l’incitent à la réflexion par leur intervention très inattendue dans les salles de la Renaissance et du Siècle d’or Hollandais.

Même surprise avec la composition hyperréaliste de Jonathan Wateridge qui voisine avec les grands formats de la peinture académique. Dans une autre salle le naturalisme poussé à l’extrême du Christ de Paul Fryer, le corps couvert de sang et de blessures assis sur un semblant de chaise électrique, interpelle la peinture religieuse du XVIIe siècle français et plus encore espagnol. La galerie des portraits romantiques héberge trois têtes de noirs anonymes peints par l’artiste ghanéenne Lynette Yiadom-Boakye et interrogent la représentation africaine dans la peinture orientaliste du XIXe siècle dont le Radeau de la Méduse de Géricault. Dans un esprit futuriste le tableau de Nigel Cooke fait écho aux grandes heures du paysage français en y insérant un être connecté qui semble rendre dérisoire la peinture comme mode d’expression tandis que la toile de Toby Ziegler oscille, elle, entre abstraction et figuration.

Simon Hantaï au musée des Beaux-Arts de Rouen
 


Une grande salle est réservée au peintre qui forma avec Hartung, Soulages, Fautrier, Atlan, Vieira da Silva la seconde École de Paris et le renouveau de l’art abstrait dans les années 50.  




C’est à cette époque que Simon Hantaï quitte sa Bulgarie natale pour venir travailler à Paris. Proche des peintres américains Joan Mitchell et Sam Francis, il se lie aussi avec les Surréalistes avant de prendre ses distances et d’affirmer son identité dans une peinture où le hasard tient une place première.

Dans cette optique il travaille la toile en la froissant préalablement puis laisse les formes apparaître au gré d’une gestuelle qui s’aide de pliages, de grattoirs et de multiples petites touches. Une technique qui travaille entre l’obscur et le clair « pour venir à ce que je ne sais pas » disait-il.

Le collectionneur d’art Jean-Claude Gandur dont la Fondation pour l’art comporte plus de 3200 objets du monde antique et moderne -1200 pour l’art égyptien, grec et moyen oriental et près de 1000 pour l’art moderne et contemporain - s’est particulièrement intéressé à cette seconde École de Paris et au travail de Simon Hantaï.

Nous lui devons ce partenariat avec le musée des Beaux-Arts de Rouen avec un prêt d’œuvres majeures du peintre allant de 1951 à 1962.

La peinture de Dan Barichasse s’exerce sur le papier glacé, un support rétif à l’absorption qui permet au travail de l’artiste un jeu entre hasard des coulées et manipulations diverses.








Plutôt que de s’ancrer, cette matière liquide une fois déposée coule vers les sens donnés par l’artiste selon des inclinations méticuleusement proposées. 

La première intervention séchée sur le papier, Dan revient sur son métier pour de nouvelles couches en transparences, des strates aux dosages variés, explorant à nouveau le potentiel de formes et de textures qui s’en dégagent.

C’est ainsi qu’il explique la genèse de ses œuvres, faisant allusion à une “cosmogonie“, travaillant ses tableaux “comme on observe la création d’un univers et le processus du vivant dans un lieu donné pour s’y épanouir“.

Cette abstraction révèle ainsi un monde flottant, aquatique semblable à des “voiles de méduses“, à une vie possible qui néanmoins se refuse à toute figuration et qui, promesse de l’être,  demeure dans l’informe des origines.




C.G.
 
 

Pourtant au-delà de ces images puissantes, son œuvre à la fois multiple et cohérente échappe aux catégories et aux mouvements.



« Il n'y a pas le beau, catalogué, hiérarchisé. Le Beau est partout, dans l'ordre d'une batterie de casseroles sur le mur blanc d'une cuisine, aussi bien que dans un musée » soulignait l’artiste en 1923 dans L'Esthétique de la machine, l'ordre géométrique et le vrai.

La formule de Fernand Léger résonne comme un hymne à la liberté du regard, refusant tout académisme du goût et toute hiérarchie constituée entre les Beaux-Arts et le quotidien. L’artiste fait le constat de la puissance esthétique de la vie moderne, trépidante et colorée, et du défi extraordinaire que celle-ci représente pour les artistes. 

Embrassant son parcours dans sa diversité, l’exposition "rétrospective Fernand Léger  - Le Beau est partout " éclaire sous un jour inédit la manière dont l’artiste réinvente la peinture en puisant au spectacle du monde et en s’ouvrant aux autres arts. Sans jamais cesser d’être peintre, Fernand Léger contribue à des domaines aussi variés que le livre illustré, le décor de scène, la peinture murale, le cinéma expérimental, ou le photomontage. Rares sont les peintres modernes à avoir tissé des liens aussi étroits avec des créateurs, venus de l’architecture (Le Corbusier, Charlotte Perriand, Paul Nelson…), du cinéma (Abel Gance, Marcel L’Herbier, Sergueï Eisenstein…), de la danse (Jean Börlin), de la musique (Darius Milhaud, Arthur Honegger…) ou de la poésie (Blaise Cendrars, Vladimir Maïakovski…).

Cinq décennies de création

Réunissant cinq décennies de création, le parcours thématique reflète l’image vivante de la peinture en train de s’inventer.

Nourrie par la vitalité de son époque, l’œuvre de Léger a vocation à sortir de son cadre, à se déployer à l’écran, sur la scène ou sur les murs de la ville. Au-delà du renouvellement des formes, son approche transdisciplinaire est lié à son engagement politique et à son désir de faire entrer l’art dans la vie quotidienne.

 « Pour Fernand Léger, l’objet n’est plus un ensemble de formes inertes, mais un agrégat de cellules vivantes qui animent l’espace. L’objet est donc d’essence dynamique, et son immobilité apparente, sous la grille de la forme, constitue au contraire un élément de mobilité. Aussi Léger choisira-t-il indifféremment des motifs disparates, éléments mécaniques, fleur, corps humain, arbre, clef, etc., de sorte qu’il suggérera des spectacles qui ne pourront, à l’instar de certaines compositions musicales, et aussi conformément à certains principe cubiste, se traduire en aucun autre langage que celui de la peinture » écrivait dans son ouvrage de 1950, intitulé Peinture Moderne aux éditions Skira, le critique d’art et défenseur de la première heure du cubisme Maurice Raynal.

Proches dès l’époque de la Section d’or dans les années 1912-1913, Raynal et Léger resteront amis tout au long de leur vie.


Le critique rédige la première monographie sur le peintre, commandée en 1920 par Léonce Rosenberg. Le catalogue de l’exposition lui rend hommage par de nombreuses photographies qui témoignent de l’ambiance studieuse dans l’atelier parisien de Fernand Léger ou sportive et festive lors des week-ends passées entre amis en Normandie. A son décès Léger saluera « l’historien de notre époque picturale le plus sensible et le plus compréhensif ». 

Prêts exceptionnels

Cette exposition monographique remarquable s’appuie également sur le prêt exceptionnel de nombreuses œuvres du Centre Pompidou, musée national d’art moderne, (La Noce, Éléments mécaniques, Charlot cubiste, Le Cirque Médrano)  complété de pièces majeures de grandes collections publiques et privées internationales (Le Balustre, Museum of Modern Art de New York, Le Pont, Collection Carmen Thyssen-Bornemisza de Madrid, Le Typographe, Philadelphia Museum of Art).

À travers de nombreux documents d’archives, elle présente aussi les différentes facettes de l’homme : auteur de textes fondateurs sur la peinture et sur son temps, grand voyageur, professeur dans l’atelier duquel se formeront des centaines d’artistes. Vingt ans après la rétrospective organisée à Paris, le Centre Pompidou-Metz rend grâce sous l’égide éclairée de la commissaire de l’exposition Ariane Coulondre, à la personnalité hors du commun d'un grand nom de l’avant-garde.

Avec ses prêts exceptionnels, l’exposition s’inscrit comme un événement phare de l'année anniversaire des 40 ans du Centre Pompidou dont les missions fondamentales entrent en parfaite résonance avec les idéaux de Fernand Léger : ouverture à la création sous toutes ses formes, accessibilité au plus grand nombre. Présentée sur un territoire marqué par l’histoire industrielle, cette exposition thématique trouve sa légitime expression.

Léger et Le Corbusier à la Cité radieuse de Briey

En dialogue avec la rétrospective Fernand Léger. Le Beau est partout au Centre Pompidou-Metz, l’exposition Le Corbusier et Léger. Visions polychromes, présentée à la Cité radieuse de Briey, invite à redécouvrir le bâtiment iconique de Le Corbusier situé à 40 minutes de Metz.

L’exposition, conçue en partenariat avec l’association La Première Rue et le Val de Briey, bénéficie du généreux soutien de la Fondation Le Corbusier.

Elle relie la pensée de l’architecte à celle du peintre, révélant leur longue amitié marquée par une célébration commune de la couleur. Après avoir découvert la région sur le front de Verdun pendant la Première Guerre mondiale, c’est dans le bassin de Briey, en 1940, que Fernand Léger imagina le décor d’un centre d’aviation populaire. Ce projet de démocratisation de l’aéronautique, interrompu par la guerre, trouve un écho tout particulier dans la passion de Le Corbusier pour ce qu’il nommait les « machines à voler ».

Quelques années plus tard, c’est au tour de l’architecte d’explorer la Lorraine, en expérimentant la polychromie dans la construction de la manufacture de Saint-Dié, avant de concevoir son Unité d’habitation à Briey dans les années 1950. Fernand Léger, apprenti dès 16 ans dans un cabinet d’architecture, nourrit un intérêt précoce pour ce domaine. Convaincu de l’interdisciplinarité des arts, il milite en faveur d’une « entente à trois » entre le mur, l’architecte et le peintre. À travers un riche ensemble de documents d’archives, revues, films, photographies, correspondance, nombre de leurs projets liant architecture et peinture, parfois méconnus, sont mis ici en lumière dans un cadre étonnant et exceptionnel.

En 2017, le Centre Pompidou fête ses 40 ans partout en France.


Soixante–quinze lieux partenaires, 50 expositions, 15 spectacles, concert et performances : jusqu’au début de l’année 2018, le centre Pompidou fête les 40 ans de sa création dans quarante villes françaises.


De Grenoble à Lille, en passant par Le François en Martinique, Saint-Yrieix-hambord, Cajarc ou Nice, dla-Perche, Ces événements d’un soir ou des expositions de six mois seront présentées au plus grand nombre. Des propositions qui mêlent expositions, concerts, spectacles de théâtre et de danse, conférences et qui convieront tous les publics à vivre et partager l’originalité du Centre Pompidou. D.R.

Le naturalisme comme lignes  de départ

Bien que de dix ans son cadet, le Norvégien Munch commence à peindre à la époque que Van Gogh, vers 1880. Leur démarche picturale s’avère au départ assez semblable, influencés qu’ils sont par le naturalisme. Preuve en est l’inspiration et le style de certaines œuvres de jeunesse comme Les Mangeurs de pommes de terre de Van Gogh et Matin de Munch. Mais très vite, leur travail s’oriente vers des voies différentes, se démarque par des approches personnelles qui sont autant de  reflets de leurs âmes tourmentées. L’amour, la peur, la spiritualité, la mort y apparaissent en filigrane, en particulier dans les tableaux majeurs que l’exposition présente dans l’aile récemment rouverte pour les expositions temporaires : Le Cri du norvégien  Munch ou La Nuit étoilée sur le Rhône de Van Gogh.

Une peinture des extrêmes

« Tous deux poussent à l’extrême la mise en scène de leur sujet. Leurs couleurs éclaboussent la toile, les formes et les lignes sont accentuées, la réalité s’en trouve simplifiée. À la recherche de nouvelles perspectives et de nouveaux raccourcis, ils mettent l’accent sur l’utilisation de la peinture et d’autres matériaux. En cela, ils vont à l’encontre de toutes les conventions, au paroxysme du moderne », précise le catalogue d’exposition. Peinture bouleversante que celle de ces deux peintres livrés à l’inquiétude. Expression  directement accessible à tous par la simplification des formes, le jaillissement du trait, la force de la couleur !
   

Mais aussi, le souci commun d’un ordonnancement

Van Gogh et Munch, malgré les différences évidentes dans leur langage pictural ont eu le projet commun d’insérer leur travail dans un ensemble cohérent qu’ils nommeraient dans une surprenante coïncidence “Symphonies“. Munch néanmoins inscrit ses principaux tableaux dans un cycle intitulé Frise de la Vie, sur lequel il travaille de nombreuses années en y exprimant l’intensité de ses sentiments face à la réalité de la naissance et de la mort. Quant à Van Gogh, il peint à Arles une ultime série de représentations urbaines et rurales, de portraits et de natures mortes qu’il qualifie de “Décoration“ et destinées à orner la maison-atelier qu’il partagea avec son ami Paul Gauguin.
 

Certaines œuvres sont montrées pour la première fois

Plus de 100 œuvres - 80 peintures et 30 œuvres sur papier - sont exposées à l’occasion de cette année commémorative, dont certaines qui n’ont jamais été vues par le public. Et dans la cage d’escalier d’une aile de l’exposition, le musée invite ses visiteurs à exprimer sur des panneaux conçus à cette intention leur émotions profondes suscitées par les œuvres. Peut-être seront-ils  inspirés peut- par les quelques citations de ces deux grands artistes appliquées sur les murs...

Durant l’exposition, des institutions culturelles de premier plan à Amsterdam - le musée du film EYE, la compagnie de théâtre Toneelgroep Amsterdam, l’Orchestre royal du Concertgebouw et l’Orchestre philharmonique des Pays-Bas - organisent cet automne un programme culturel de grande envergure.

Pour en savoir plus :

Munch : Van Gogh
Exposition du 25 septembre 2015 au 17 janvier 2016
Au musée Van Gogh d’Amsterdam



(Le Musée Van Gogh conserve et gère la plus importante collection au monde d’œuvres et de lettres de van Gogh, ce qui permet au public d’accéder à sa vie et à son oeuvre, ainsi qu’à l’art de son temps et de ses contemporains).
 

David Seifert (1896-1980) faisait partie de la trentaine de peintres qui ont peint pour son inauguration le 20 décembre 1927, un des pilastres de la brasserie la Coupole en compagnie d’Auguste Clergé, l’ami de Maurice Le Scouëzec et fondateur des « peintres aux cafés », Marie Vassilieff, Jules-Émile Zingg, Louis Latapie...




Il était du groupe fameux des peintres polonais et ukrainiens (Maurice Mendjizky, Isaac Dobrinsky, Sam Granovsky), ami de Marc Chagall, de Paul Klee, du fauve Othon Friesz, de Chaïm Soutine, de Moïse Kisling, d’Emmanuel Mané-Katz.

De même qu’il fut un proche de la première heure des peintres de l’Ecole de Paris : Joachim Weingart et Léon Weissberg.


 

David Siefert est issu d’une famille bourgeoise de Galicie polonaise. Il est né à Wolanka le 31 décembre 1896 et fait partie d’une fratrie de neuf enfants. En 1915, il est reçu au concours de l’Académie des beaux-arts de Cracovie.

C’est à ce moment qu’il est repéré par un riche industriel, Karol Katz, qui sensible à son talent, lui propose de poursuivre ses études d’art à Berlin où il restera deux ans. Avec l’aide de ce mécène qui lui remet 40 dollars, Seifert s’installe à Montparnasse en 1924 et trouve à se loger dans une minuscule chambre rue Boussingault dans le 13^e arrondissement. De 1926 à 1929, le peintre présente ses œuvres au salons d’Automne, des Indépendants, des Tuileries et des Artistes Français.